Et du talent, Mr Big en a assurément. Comment, en effet, rester sourd à celui-ci, au son de ce Hard Rock chaleureux ? Comment rester insensible à cette volupté délicieusement communicative ? Voilà des interrogations dont les réponses restent des plus mystérieuses car, me concernant, dès l’entame d’un “Addicted to That Rush” énergique au rythme soutenu, les aptitudes immenses de ces immenses musiciens me transportent immédiatement ailleurs. Un voyage délicieux vers un plaisir infaillible. Partant de cette constatation, est-il réellement nécessaire d’insister encore sur l’efficience, sur la justesse, sur les dons de chacun de ces hommes, et surtout de la manière dont chacun prend subtilement part à l’?uvre, soulignant brillamment le travail de l’autre ? Est-il encore réellement nécessaire de le faire alors que des titres aussi bons qu’un “Wind Me up”, qu’un “Merciless“, qu’un “Blame It on My Mouth” viennent témoigner de manière incontestable de cette indéniable excellence ? Evidemment non.

La reprise de “30 Days in the Hole” de Humble Pie, enregistrée Live, scelle définitivement cette plénitude jubilatoire contagieuse, qui est la nôtre depuis les premières notes de cet album éponyme.

On ne peut décemment pas évoquer Mr Big sans parler de ces titres les plus intimistes, de ces ballades où la voix chaude et délicate d’Eric, tutoyant une grâce presque irréelle, nous mène en des contrées où les émotions qui nous étreignent, qui nous bousculent, qui nous transpercent, nous montrent à quelle point nous sommes vivants. En effet l’ensorcelant “Had Enough” qui nous entraîne dans des cheminements émotifs forts, et ce avec ses couplets épurés aux instruments doux et discrets, aux voix profondes et attristés, avant que dans un crescendo n’arrive un refrain salutaire et poignant qui nous soulage, mais aussi le plus classique “Anything for You”, sont l’expression la plus remarquable de ces dons qu’ont ces quatre américains pour l’émotion.

Cet album éponyme de Mr Big est donc un album admirablement réussi, admirablement intemporel, admirablement incontournable, admirablement riche en émotions. Une ?uvre dont les immenses qualités inscrivent d’emblée nos cinq américains dans l’histoire du Hard Rock.

Indispensable, évidemment.

Et du talent Mr Big en a assurément. Comment, en effet, rester sourd à celui-ci, au son de ce Hard Rock chaleureux ? Comment rester insensible à cette volupté délicieusement communicative ? Voilà des interrogations dont les réponses restent des plus mystérieuses car, me concernant, dès l’entame d’un Addicted to that Rush énergique au rythme soutenue, les aptitudes immenses de ces immenses musiciens me transportent immédiatement ailleurs. Un voyage délicieux vers un plaisir infaillible Partant de cette constatation, est-il réellement nécessaire d’insister encore sur l’efficience, sur la justesse, sur les dons de chacun de ces hommes, et surtout de la manière dont chacun prends subtilement part à l’?uvre soulignant brillamment le travail de l’autre ? Est-il encore réellement nécessaire de le faire alors que des titres aussi bons qu’un Wind me Up, qu’un Merciless, qu’un Blame It On My Mouth vient témoigner de manière incontestable de cette indéniable excellence ? Evidement non.

La reprise de 30′ Days In The Hole de Humble Pie, enregistré Live, scelle définitivement cette plénitude jubilatoire contagieuse, qui est la notre depuis les première note de cette album éponyme.

On ne peut décemment pas évoquer Mr Big sans parler de ces titres les plus intimistes, de ces ballades où la voix chaude et délicate d’Eric, tutoyant une grâce presque irréelle, nous mènes en des contrées où les émotions qui nous étreignent, qui nous bousculent, qui nous transpercent, nous montre à quelle point nous sommes vivants. En effet l’ensorcelant Had Enough qui nous entraine dans des cheminements émotifs forts, et ce avec ses couplets épurés aux instruments doux et discrets, aux voix profondes et attristés, avant que dans un crescendo n’arrive un refrain salutaire et poignant qui nous soulage ; mais aussi le plus classique Anything For You, sont l’expression la plus remarquable de ces dons qu’ont ces quatre américains pour l’émotion.

Cet album éponyme de Mr Big est donc un album admirablement réussi, admirablement intemporel, admirablement incontournable, admirablement riche en émotions. Une ?uvre dont les immenses qualités inscrivent d’emblée nos cinq américains dans l’histoire du Hard Rock.

Indispensable, évidemment.

Si chacun de ces groupes connaîtra des destinées diverses, et souvent moins glorieuses que méritantes, Eldritch est de ceux qui n’auront jamais su, jusqu’à présent, réellement affirmer avec force leur existence aux yeux d’un public, sans doute, déconcerté par la musique proposée par le groupe. Après trois albums d’un Heavy Progressif Thrashisant, Seeds of Rage (1995), Headquake (1997) et peut-être le moins complexe de cette période El Nino (1998), le groupe, avec l’album Reverse (2001) prend, alors, un virage très, et sans doute trop, impitoyablement ancré à la fois dans une modernité brutale d’influence Thrash, et à la fois dans des riffs d’inspiration contemporaine Neo. Cette volonté de radicaliser son propos, aspirations indéniablement plus brutales, sera indubitablement trop férocement déroutante pour les adeptes de ce groupe. Trois albums suivront ce Reverse, à savoir Portrait of the Abyss Within (2004), Neighbourhell (2006) et Blackenday (2007) dans lesquels Eldritch saura redonner à son propos la simplicité et l’efficacité d’une musique bien plus Heavy, conséquence, notamment, du fait de cette facette Progressive complexe qui s’estompe très nettement.

Il aura fallu attendre de longues années avant que nos transalpins ne se décident à laisser enfin une empreinte tangible et persistante de ce lien particulier qui unit tout groupe à son public, de ce moment intense où la rencontre des deux trouve son expression la plus accomplie en live. L’?uvre qui témoigne de cette communion, ce Livequake, pensée en un diptyque, propose en une conception simple un voyage dans l’univers d’Eldritch. Enregistré sur ses terres Italienne, à Pise, en mars 2008, cet album tente de retracer la carrière de ces italiens. Affirmer qu’il en est parfaitement représentatif serait très exagéré tant l’aperçu est quelque peu tronqué. En effet, seul trois morceaux des deux premiers albums (Seed Of Rage, Headquake), un seul de l’atypique Reverse et deux de Portrait of the Abyss Within apparaissent sur ce disque.

Le premier acte de cette pièce met en avant le visage le plus Heavy du groupe, et ce en puisant directement à la source de ses plus récentes sorties. Ainsi met-il en exergue des titres où l’énergie prime sur la technicité, et où la complication d’influences progressives n’est que suggérée. Ces morceaux, aux qualités évidentes, épurés de démonstrations ineptes, n’en demeurent pas moins, souvent, insuffisamment forts pour tout à fait nous emporter vers un plaisir plein. Ce constat étonnement amer est, je crois, un des fondements du paradoxe lié au relatif anonymat des hommes de Terence Holler. Il va sans dire que la relative complexité, liée à ses influences les plus progressives, aura, sans aucun doute, aussi, desservi le groupe. Pourtant après l’écoute de titres aussi intense que l’obscur Why, ou encore que le très réussi The Deep Sleep, mais aussi qu’un délectable Save Me, ou qu’un sombre The Blackened Day, ou encore qu’un plaisant Standing Still, il est difficile de ne pas être conquis. En effet, ces titres aux constructions relativement semblables, où les couplets installent une dramaturgie pesante et nerveuse, lourde et ténébreuse, avant que, dans un souffle salvateur, un salutaire refrain mélodique ne vienne offrir la délivrance d’une respiration lumineuse, sont bons. Bons, mais terriblement similaires, tant et si bien qu’il devient alors assez difficile de parler d’excellence pour un Eldritch qui finit par s’essouffler et par nous étouffer. Cette similitude, cette incapacité à donner véritablement plus de reliefs à des morceaux, pourtant très bons, est ce qui, à mon sens, vient définitivement sceller le destin de ces italiens, les condamnant aux affres d’une méconnaissance sensée. On peut aussi évoquer les difficultés d’un Terence Holler, autrefois qualifié de « meilleur chanteur de sa génération », à véritablement donner des nuances nécessaires à sa voix invariablement puissante et dure.

Et ce ne sont, sans doute, pas les titres aux différences les plus marquées, tels les très harmonieux The World Appart, ou le délicieux More Than Marylin, dénués de tout sombre dessein, ou encore un rugueux Reverse, extrait de l’album du même titre, au propos bien trop brutal, qui viendront changer cette évidente sensation de plate linéarité. La musique d’Eldritch est bonne, très bonne même, mais jamais elle ne réussit à totalement nous emporter vers une grandeur tant attendue.

Le deuxième acte revient, quant à lui, sur la genèse du groupe, sur ces ?uvres les plus anciennes, les plus absconses, sur ces titres où les synthés dessinent en des volutes d’arpèges expansives des structures difficiles, où les guitares aux soli exubérants de technicité racontent dans ces langues ardues des histoires arides. Accablés, aussi, par les défauts du premier acte, il y ajoute ceux d’une complexité stérile, pour un résultat certes intéressant, mais terriblement long et dispensable. Les morceaux s’enchaînent, nous traversant l’esprit comme une délicieuse caresse, avant que l’oubli ne nous étreigne bientôt. Dans cet océan d’intrications infructueuses, seul The Lord of an Empty Place vient nous délivrer à l’aide de sa simplicité, et de son refrain réussi.

Confronter des univers aussi distincts n’est assurément pas sans risque. Singulièrement, lorsque le groupe abandonne ses aspirations les plus progressives, il parvient tout de même à nous offrir des moments intéressants. Sans génie, Eldritch nous propose avec cet album un condensé assez riche de ce qu’il a été autrefois, mais surtout de ce qu’il est aujourd’hui. Sans nul doute, et plus que jamais, c’est dans les desseins de son Heavy d’aujourd’hui qu’il saura le mieux s’accomplir pleinement.

Lorsque j’emploie le terme « simple », c’est, évidement, au sens le plus noble. Lorsque je désigne ainsi ceux qui usent de leurs talents, c’est, assurément, en ayant à l’esprit cette évidente vérité qui découle de cet authentique amour qu’ont les vrais musiciens pour leur art. Une ardeur qui s’exprime au travers de chaque geste, de chaque respiration, et de chaque instant. La différence entre ces êtres d’exception et les autres, c’est qu’eux sont musiciens alors que les autres se contentent de jouer de la musique. La distinction est fondamentale et elle confère aux véritables artistes une assurance, une sérénité, et une vérité certaine, dont l’expression nous touche. Cette émotion, peu sont capables de la maîtriser avec autant de talent que ces suédois et dès les premières mesures d’un Got to Have Faith, sur ce Almost Unplugged enregistré en Public, au Nalen de Stockholm, le plaisir nous étreint d’emblée, nous amenant avec une légèreté suave vers un moment de pur plaisir. Il n’était pourtant pas aisé de modeler un visage des plus harmonieux avec la musique du groupe, tant la matière a changé au fil du temps. Comment, en effet, offrir aux rides de ces années une véritable délicatesse, alors que ce faciès porte les stigmates de cicatrices causées par ces disparités de genre qui vit basculer Joey Tempest et ses compagnons d’un Heavy mélodique fortement influencé par les années 70 (Europe, Wings of Tommorrow), à un Hard Rock ultra mélodique aux synthés et aux arrangements travaillés à l’extrême (The Final Countdown, Out of This World…), en passant par un Hard Rock teinté d’AOR à l’équilibre délicieux (Prisoners in Paradise), pour finalement revenir à une musique aux airs plus modernes d’un croisement entre un Hard aux intentions Heavy très actuel (Start from the Dark, Secret Society…)? Une des réponses se cache dans la nature profonde de ces hommes que j’ai décrite en préambule. Ils sont musiciens et ont su, forcément, faire grandir leurs titres en les réarrangeant. Une autre tient dans le choix, ici, de l’option semi-acoustique qui a tendance à adoucir la fougue d’instruments électriques. Cette volonté de délicatesse est subtilement accentuée par la présence de deux violons dont chaque note ajoute une finesse supplémentaire. Dans cette atmosphère intimiste de bien-être et d’émotions, un Forever Travelling ou un The Devil Sings the Blues prennent une dimension ensorcelante. Mais ils en prennent une véritablement captivante avec des ballades aux langueurs délicieuses comme un Wish You Were Here de Pink Floyd, ou un The Final Countdown dans une version épuré, ou encore un bluesy Since I’ve Been Loving Here de Led Zeppelin, ou encore un excellent Dreamer où la voix fragile aux fêlures creusées par les années de Joey Tempest merveilleusement soulignée par pianos et violons transcendent un plaisir immense en une émotion unique.

Toujours soucieux de préserver cet équilibre retrouvé sur un Prisoners in Paradise, les partitions de Mic Michaeli continuent à être subtilement unies aux guitares parfaites et inspirées d’un John Norum pour un résultat où chacun trouve parfaitement sa place. Le guitariste, avec l’aisance d’une créativité étonnante, n’hésite pas à enrichir, de manière fugace mais entêtante, les climats de certains titres en y ajoutant quelques notes funky, quelques autres hispanisante. Cette stabilité entre les deux hommes permet, aussi, de rendre, enfin, l’aspect le plus fougueux, le plus rugueux, le plus Rock à des morceaux qui en manquaient singulièrement. Ainsi Superstitious trouve ici une couleur qui lui sied bien davantage que le terne gris qui était le sien autrefois. Le très bon et très énergique Yesterday News, de même que l’incroyable Rock the Night achève une démonstration éblouissante sur une certitude. Oui, Joey Tempest, Mic Michaeli, John Norum, Ian Haughland et John Leven sont d’incomparables musiciens, quoiqu’en disent et quoiqu’en pensent les plus sceptiques.

Un album exceptionnel, tout simplement.

Lorsque j’emploie le terme « simple », c’est, évidement, au sens le plus noble. Lorsque je désigne ainsi ceux qui usent de leurs talents, c’est, assurément, en ayant à l’esprit cette évidente vérité qui découle de cet authentique amour qu’ont les vrais musiciens pour leur art. Une ardeur qui s’exprime au travers de chaque geste, de chaque respiration, et de chaque instant. La différence entre ces êtres d’exception et les autres, c’est qu’eux sont musiciens alors que les autres se contentent de jouer de la musique. La distinction est fondamentale et elle confère aux véritables artistes une assurance, une sérénité, et une vérité certaine, dont l’expression nous touche. Cette émotion, peu sont capables de la maîtriser avec autant de talent que ces suédois et dès les premières mesures d’un Got to Have Faith, sur ce Almost Unplugged enregistré en Public, au Nalen de Stockholm, le plaisir nous étreint d’emblée, nous amenant avec une légèreté suave vers un moment de pur plaisir. Il n’était pourtant pas aisé de modeler un visage des plus harmonieux avec la musique du groupe, tant la matière a changé au fil du temps. Comment, en effet, offrir aux rides de ces années une véritable délicatesse, alors que ce faciès porte les stigmates de cicatrices causées par ces disparités de genre qui vit basculer Joey Tempest et ses compagnons d’un Heavy mélodique fortement influencé par les années 70 (Europe, Wings of Tommorrow), à un Hard Rock ultra mélodique aux synthés et aux arrangements travaillés à l’extrême (The Final Countdown, Out of This World…), en passant par un Hard Rock teinté d’AOR à l’équilibre délicieux (Prisoners in Paradise), pour finalement revenir à une musique aux airs plus modernes d’un croisement entre un Hard aux intentions Heavy très actuel (Start from the Dark, Secret Society…)? Une des réponses se cache dans la nature profonde de ces hommes que j’ai décrite en préambule. Ils sont musiciens et ont su, forcément, faire grandir leurs titres en les réarrangeant. Une autre tient dans le choix, ici, de l’option semi-acoustique qui a tendance à adoucir la fougue d’instruments électriques. Cette volonté de délicatesse est subtilement accentuée par la présence de deux violons dont chaque note ajoute une finesse supplémentaire. Dans cette atmosphère intimiste de bien-être et d’émotions, un Forever Travelling ou un The Devil Sings the Blues prennent une dimension ensorcelante. Mais ils en prennent une véritablement captivante avec des ballades aux langueurs délicieuses comme un Wish You Were Here de Pink Floyd, ou un The Final Countdown dans une version épuré, ou encore un bluesy Since I’ve Been Loving Here de Led Zeppelin, ou encore un excellent Dreamer où la voix fragile aux fêlures creusées par les années de Joey Tempest merveilleusement soulignée par pianos et violons transcendent un plaisir immense en une émotion unique.

Toujours soucieux de préserver cet équilibre retrouvé sur un Prisoners in Paradise, les partitions de Mic Michaeli continuent à être subtilement unies aux guitares parfaites et inspirées d’un John Norum pour un résultat où chacun trouve parfaitement sa place. Le guitariste, avec l’aisance d’une créativité étonnante, n’hésite pas à enrichir, de manière fugace mais entêtante, les climats de certains titres en y ajoutant quelques notes funky, quelques autres hispanisante. Cette stabilité entre les deux hommes permet, aussi, de rendre, enfin, l’aspect le plus fougueux, le plus rugueux, le plus Rock à des morceaux qui en manquaient singulièrement. Ainsi Superstitious trouve ici une couleur qui lui sied bien davantage que le terne gris qui était le sien autrefois. Le très bon et très énergique Yesterday News, de même que l’incroyable Rock the Night achève une démonstration éblouissante sur une certitude. Oui, Joey Tempest, Mic Michaeli, John Norum, Ian Haughland et John Leven sont d’incomparables musiciens, quoiqu’en disent et quoiqu’en pensent les plus sceptiques.

Un album exceptionnel, tout simplement.

Lorsque j’emploie le terme « simple », c’est, évidement, au sens le plus noble. Lorsque je désigne ainsi ceux qui usent de leurs talents, c’est, assurément, en ayant à l’esprit cette évidente vérité qui découle de cet authentique amour qu’ont les vrais musiciens pour leur art. Une ardeur qui s’exprime au travers de chaque geste, de chaque respiration, et de chaque instant. La différence entre ces êtres d’exception et les autres, c’est qu’eux sont musiciens alors que les autres se contentent de jouer de la musique. La distinction est fondamentale et elle confère aux véritables artistes une assurance, une sérénité, et une vérité certaine, dont l’expression nous touche. Cette émotion, peu sont capables de la maîtriser avec autant de talent que ces suédois et dès les premières mesures d’un Got To Have Faith, sur ce Almost Unplugged enregistré en Public, au Nalen de Stockholm, le plaisir nous étreint d’emblée, nous amenant avec une légèreté suave vers un moment de pur plaisir. Il n’était pourtant pas aisé de modeler un visage des plus harmonieux avec la musique du groupe, tant la matière a changé au fil du temps. Comment, en effet, offrir aux rides de ces années une véritable délicatesse, alors que ce faciès porte les stigmates de cicatrices causées par ces disparités de genre qui vit basculer Joey Tempest et ses compagnons d’un Heavy mélodique fortement influencé par les années 70 (Europe, Wings of Tommorrow), à un Hard Rock ultra mélodique aux synthés et aux arrangements travaillés à l’extrême (The Final Countdown, Out of this World?), en passant par un Hard Rock teinté d’AOR à l’équilibre délicieux (Prisoners in Paradise), pour finalement revenir à une musique aux airs plus modernes d’un croisement entre un Hard aux intentions Heavy très actuel (Start from the Dark, Secret Society?)? Une des réponses se cache dans la nature profonde de ces hommes que j’ai décrite en préambule. Ils sont musiciens et ont su, forcément, faire grandir leurs titres en les réarrangeant. Une autre tient dans le choix, ici, de l’option semi-acoustique qui a tendance à adoucir la fougue d’instruments électriques. Cette volonté de délicatesse est subtilement accentuée par la présence de deux violons dont chaque note ajoute une finesse supplémentaire. Dans cette atmosphère intimiste de bien-être et d’émotions, un Forever Travelling ou un The Devil Sings the Blues prennent une dimension ensorcelante. Mais ils en prennent une véritablement captivante avec des ballades aux langueurs délicieuses comme un Wish You Were Here de Pink Floyd, ou un The Final Countdown dans une version épuré, ou encore un bluesy Since I’ve Been Loving Here de Led Zeppelin, ou encore un excellent Dreamer où la voix fragile aux fêlures creusées par les années de Joey Tempest merveilleusement soulignée par pianos et violons transcendent un plaisir immense en une émotion unique.

Toujours soucieux de préserver cet équilibre retrouvé sur un Prisoners in Paradise, les partitions de Mic Michaeli continuent à être subtilement unies aux guitares parfaites et inspirées d’un John Norum pour un résultat où chacun trouve parfaitement sa place. Le guitariste, avec l’aisance d’une créativité étonnante, n’hésite pas à enrichir, de manière fugace mais entêtante, les climats de certains titres en y ajoutant quelques notes funky, quelques autres hispanisante. Cette stabilité entre les deux hommes permet, aussi, de rendre, enfin, l’aspect le plus fougueux, le plus rugueux, le plus Rock à des morceaux qui en manquaient singulièrement. Ainsi Superstitious trouve ici une couleur qui lui sied bien davantage que le terne gris qui était le sien autrefois. Le très bon et très énergique Yesterday News, de même que l’incroyable Rock the Night achève une démonstration éblouissante sur une certitude. Oui, Joey Tempest, Mic Michaeli, John Norum, Ian Haughland et John Leven sont d’incomparables musiciens, quoiqu’en disent et quoiqu’en pensent les plus sceptiques.

Un album exceptionnel, tout simplement.

Après une longue succession d’albums, pas forcement indispensables, desquels les adeptes originels ne sauront, assurément, pas totalement se satisfaire ; les suisses nous reviennent avec un Need to Believe plus inspiré. En effet, dès les premières notes d’un Shangri La, dont l’interminable introduction nous plonge dans une fébrilité qui ne sera apaisée qu’avec l’arrivée de ce premier riff, on est surpris par une agréable impression de mieux. Le groupe y défend clairement une volonté plus affirmée de réussir davantage l’amalgame de ce qu’il fut autrefois, et de ce qu’il est aujourd’hui. Certes Gotthard n’abandonne pas son visage le plus mélodique, bien au contraire, et continue de composer ces refrains avec le soin qui incombe au Hard FM, mais il a l’intelligence d’y ajouter la dose nécessaire d’exaltation et de riffs plus Hard Rock pour, enfin, rendre sa musique plus savoureuse. Ainsi, après un Shangri La plutôt réussi, un enthousiaste Unspoken Words, un I Don’t Mind au riff très australien, un Right From Wrong aux guitares plus nerveuses et plus sombres, un I Know, You Know dont l’entame est une romance doucereuse mais qui prend une dimension plus efficace dès l’arrivée de guitares saturées, un Rebel Soul, un Ain’t Enough, sont autant de titres qui s’inscrivent parfaitement dans cette tentative neuve et appréciable. Même si, soyons honnêtes, l’ensemble est loin d’être aussi bon que le très bons G.. Pourtant ce Need to Believe à l’avantage de proposer un sentiment suffisamment agréable pour être moins anecdotique que ces prédécesseurs. Cela suffit-il à faire de ce disque un instant incontournable ? Un moment inoubliable ? Un saisissement mémorable ? Non, bien évidement. D’autant plus que Gotthard, avec ce disque, n’aura pas su se départir de cette fâcheuse habitude embarrassante de noyer ses propos les plus virulents sous les flots larmoyants de multiples ballades, morceaux émus, titres romantiques, et autres sucreries dispensables. Débattre de l’intérêt de telles chansons, défendus par des arguments bâtis sur les goûts de chacun, est, convenons-en, tout à fait légitime. Mais est-il réellement nécessaire de proposer autant de ces titres à chaque album ? Si la question peut paraitre insignifiante, elle me paraît, quant à moi, primordiale. Quoiqu’il en soit, en dehors d’un délicieux Need to Believe, power ballade dans la plus pure tradition, les Unconditionnal Faith, Don’t Let Me Down, et dans une moindre mesure Tears To Cry ne sont que des souffles de vent qui vous caresseront à peine l’esprit, mais qui ne s’inscriront jamais dans le souvenir éternel d’une émotion tenace. De plus, mais comme à l’habitude, ces titres offrent, à l’ensemble de ce disque, une inégalité flagrante d’émois disparates, de rythmes variables, pour une impression, au final, assez bonne mais décevante, tant, nous étreint, le sentiment que ce Need to Believe aurait pu être bien meilleur encore.

Si cette œuvre s’inscrit indéniablement dans ce que le groupe a fait de mieux depuis bien longtemps, elle n’en demeure pas moins encore bien trop pétri de défauts pour réellement faire de Gotthard un groupe emblématique du genre (et ce même si l’immobilisme créatif inepte des plus illustres anciens conjugué à la volonté de plus jeunes espoirs de ne pas vouloir proposer de réelle nouveauté, en offre le spectacle d’une scène poussive et sans âme). Cependant, au milieu de la pauvreté créative ambiante, il n’en demeure pas moins que Gotthard, à défaut de briller, s’en sort avec les honneurs. Et c’est déjà pas si mal, après tout.

Après une longue succession d’albums, pas forcement indispensables, desquels les adeptes originels ne sauront, assurément, pas totalement se satisfaire ; les suisses nous reviennent avec un Need to Believe plus inspiré. En effet, dès les premières notes d’un Shangri La, dont l’interminable introduction nous plonge dans une fébrilité qui ne sera apaisée qu’avec l’arrivée de ce premier riff, on est surpris par une agréable impression de mieux. Le groupe y défend clairement une volonté plus affirmée de réussir davantage l’amalgame de ce qu’il fut autrefois, et de ce qu’il est aujourd’hui. Certes Gotthard n’abandonne pas son visage le plus mélodique, bien au contraire, et continue de composer ces refrains avec le soin qui incombe au Hard FM, mais il a l’intelligence d’y ajouter la dose nécessaire d’exaltation et de riffs plus Hard Rock pour, enfin, rendre sa musique plus savoureuse. Ainsi, après un Shangri La plutôt réussi, un enthousiaste Unspoken Words, un I Don’t Mind au riff très australien, un Right From Wrong aux guitares plus nerveuses et plus sombres, un I Know, You Know dont l’entame est une romance doucereuse mais qui prend une dimension plus efficace dès l’arrivée de guitares saturées, un Rebel Soul, un Ain’t Enough, sont autant de titres qui s’inscrivent parfaitement dans cette tentative neuve et appréciable. Même si, soyons honnêtes, l’ensemble est loin d’être aussi bon que le très bons G.. Pourtant ce Need to Believe à l’avantage de proposer un sentiment suffisamment agréable pour être moins anecdotique que ces prédécesseurs. Cela suffit-il à faire de ce disque un instant incontournable ? Un moment inoubliable ? Un saisissement mémorable ? Non, bien évidement. D’autant plus que Gotthard, avec ce disque, n’aura pas su se départir de cette fâcheuse habitude embarrassante de noyer ses propos les plus virulents sous les flots larmoyants de multiples ballades, morceaux émus, titres romantiques, et autres sucreries dispensables. Débattre de l’intérêt de telles chansons, défendus par des arguments bâtis sur les goûts de chacun, est, convenons-en, tout à fait légitime. Mais est-il réellement nécessaire de proposer autant de ces titres à chaque album ? Si la question peut paraitre insignifiante, elle me paraît, quant à moi, primordiale. Quoiqu’il en soit, en dehors d’un délicieux Need to Believe, power ballade dans la plus pure tradition, les Unconditionnal Faith, Don’t Let Me Down, et dans une moindre mesure Tears To Cry ne sont que des souffles de vent qui vous caresseront à peine l’esprit, mais qui ne s’inscriront jamais dans le souvenir éternel d’une émotion tenace. De plus, mais comme à l’habitude, ces titres offrent, à l’ensemble de ce disque, une inégalité flagrante d’émois disparates, de rythmes variables, pour une impression, au final, assez bonne mais décevante, tant, nous étreint, le sentiment que ce Need to Believe aurait pu être bien meilleur encore.

Si cette ?uvre s’inscrit indéniablement dans ce que le groupe a fait de mieux depuis bien longtemps, elle n’en demeure pas moins encore bien trop pétri de défauts pour réellement faire de Gotthard un groupe emblématique du genre (et ce même si l’immobilisme créatif inepte des plus illustres anciens conjugué à la volonté de plus jeunes espoirs de ne pas vouloir proposer de réelle nouveauté, en offre le spectacle d’une scène poussive et sans âme). Cependant, au milieu de la pauvreté créative ambiante, il n’en demeure pas moins que Gotthard, à défaut de briller, s’en sort avec les honneurs. Et c’est déjà pas si mal, après tout.

Après une longue succession d’albums, pas forcement indispensables, desquels les adeptes originels ne sauront, assurément, pas totalement se satisfaire ; les suisses nous reviennent avec un Need to Believe plus inspiré. En effet, dès les premières notes d’un Shangri La, dont l’interminable introduction nous plonge dans une fébrilité qui ne sera apaisée qu’avec l’arrivée de ce premier riff, on est surpris par une agréable impression de mieux. Le groupe y défend clairement une volonté plus affirmée de réussir davantage l’amalgame de ce qu’il fut autrefois, et de ce qu’il est aujourd’hui. Certes Gotthard n’abandonne pas son visage le plus mélodique, bien au contraire, et continue de composer ces refrains avec le soin qui incombe au Hard FM, mais il a l’intelligence d’y ajouter la dose nécessaire d’exaltation et de riffs plus Hard Rock pour, enfin, rendre sa musique plus savoureuse. Ainsi, après un Shangri La plutôt réussi, un enthousiaste Unspoken Words, un I Don’t Mind au riff très australien, un Right From Wrong aux guitares plus nerveuses et plus sombres, un I Know, You Know dont l’entame est une romance doucereuse mais qui prend une dimension plus efficace dès l’arrivée de guitares saturées, un Rebel Soul, un Ain’t Enough, sont autant de titres qui s’inscrivent parfaitement dans cette tentative neuve et appréciable. Même si, soyons honnêtes, l’ensemble est loin d’être aussi bon que le très bons G.. Pourtant ce Need to Believe à l’avantage de proposer un sentiment suffisamment agréable pour être moins anecdotique que ces prédécesseurs. Cela suffit-il à faire de ce disque un instant incontournable ? Un moment inoubliable ? Un saisissement mémorable ? Non, bien évidement. D’autant plus que Gotthard, avec ce disque, n’aura pas su se départir de cette fâcheuse habitude embarrassante de noyer ses propos les plus virulents sous les flots larmoyants de multiples ballades, morceaux émus, titres romantiques, et autres sucreries dispensables. Débattre de l’intérêt de telles chansons, défendus par des arguments bâtis sur les goûts de chacun, est, convenons-en, tout à fait légitime. Mais est-il réellement nécessaire de proposer autant de ces titres à chaque album ? Si la question peut paraitre insignifiante, elle me paraît, quant à moi, primordiale. Quoiqu’il en soit, en dehors d’un délicieux Need to Believe, power ballade dans la plus pure tradition, les Unconditionnal Faith, Don’t Let Me Down, et dans une moindre mesure Tears To Cry ne sont que des souffles de vent qui vous caresseront à peine l’esprit, mais qui ne s’inscriront jamais dans le souvenir éternel d’une émotion tenace. De plus, mais comme à l’habitude, ces titres offrent, à l’ensemble de ce disque, une inégalité flagrante d’émois disparates, de rythmes variables, pour une impression, au final, assez bonne mais décevante, tant, nous étreint, le sentiment que ce Need to Believe aurait pu être bien meilleur encore.

Si cette ?uvre s’inscrit indéniablement dans ce que le groupe a fait de mieux depuis bien longtemps, elle n’en demeure pas moins encore bien trop pétri de défauts pour réellement faire de Gotthard un groupe emblématique du genre (et ce même si l’immobilisme créatif inepte des plus illustres anciens conjugué à la volonté de plus jeunes espoirs de ne pas vouloir proposer de réelle nouveauté, en offre le spectacle d’une scène poussive et sans âme). Cependant, au milieu de la pauvreté créative ambiante, il n’en demeure pas moins que Gotthard, à défaut de briller, s’en sort avec les honneurs. Et c’est déjà pas si mal, après tout.

Après une longue succession d’albums, pas forcement indispensables, desquels les adeptes originels ne sauront, assurément, pas totalement se satisfaire ; les suisses nous reviennent avec un Need To Believe plus inspiré. En effet, dès les premières notes d’un Shangri La, dont l’interminable introduction nous plonge dans une fébrilité qui ne sera apaisée qu’avec l’arrivée de ce premier riff, on est surpris par une agréable impression de mieux. Le groupe y défend clairement une volonté plus affirmée de réussir davantage l’amalgame de ce qu’il fut autrefois, et de ce qu’il est aujourd’hui. Certes Gotthard n’abandonne pas son visage le plus mélodique, bien au contraire, et continue de composer ces refrains avec le soin qui incombe au Hard FM, mais il a l’intelligence d’y ajouter la dose nécessaire d’exaltation et de riffs plus Hard Rock pour, enfin, rendre sa musique plus savoureuse. Ainsi, après un Shangri La plutôt réussi, un enthousiaste Unspoken Words, un I Don’t Mind au riff très australien, un Right From Wrong aux guitares plus nerveuses et plus sombres, un I Know, You Know dont l’entame est une romance doucereuse mais qui prend une dimension plus efficace dès l’arrivée de guitares saturées, un Rebel Soul, un Ain’t Enough, sont autant de titres qui s’inscrivent parfaitement dans cette tentative neuve et appréciable. Même si, soyons honnêtes, l’ensemble est loin d’être aussi bon que le très bons G.. Pourtant ce Need To Believe à l’avantage de proposer un sentiment suffisamment agréable pour être moins anecdotique que ces prédécesseurs. Cela suffit-il à faire de ce disque un instant incontournable ? Un moment inoubliable ? Un saisissement mémorable ? Non, bien évidement. D’autant plus que Gotthard, avec ce disque, n’aura pas su se départir de cette fâcheuse habitude embarrassante de noyer ses propos les plus virulents sous les flots larmoyants de multiples ballades, morceaux émus, titres romantiques, et autres sucreries dispensables. Débattre de l’intérêt de telles chansons, défendus par des arguments bâtis sur les goûts de chacun, est, convenons-en, tout à fait légitime. Mais est-il réellement nécessaire de proposer autant de ces titres à chaque album ? Si la question peut paraitre insignifiante, elle me paraît, quant à moi, primordiale. Quoiqu’il en soit, en dehors d’un délicieux Need To Believe, power ballade dans la plus pure tradition, les Unconditionnal Faith, Don’t Let Me Down, et dans une moindre mesure Tears To Cry ne sont que des souffles de vent qui vous caresseront à peine l’esprit, mais qui ne s’inscriront jamais dans le souvenir éternel d’une émotion tenace. De plus, mais comme à l’habitude, ces titres offrent, à l’ensemble de ce disque, une inégalité flagrante d’émois disparates, de rythmes variables, pour une impression, au final, assez bonne mais décevante, tant, nous étreint, le sentiment que ce Need To Believe aurait pu être bien meilleur encore.

Si cette ?uvre s’inscrit indéniablement dans ce que le groupe a fait de mieux depuis bien longtemps, elle n’en demeure pas moins encore bien trop pétri de défauts pour réellement faire de Gotthard un groupe emblématique du genre (et ce même si l’immobilisme créatif inepte des plus illustres anciens conjugué à la volonté de plus jeunes espoirs de ne pas vouloir proposer de réelle nouveauté, en offre le spectacle d’une scène poussive et sans âme). Cependant, au milieu de la pauvreté créative ambiante, il n’en demeure pas moins que Gotthard, à défaut de briller, s’en sort avec les honneurs. Et c’est déjà pas si mal, après tout.

Un aspect non négligeables de l’essence de la musique de ce groupe réside dans cette capacité à puiser son inspiration à d’autres sources que celles étroites de l’unique Metal. Du Doom au Post-Punk, en passant par le Thrash et même par le Pop/Rock (Peter n’ayant jamais caché son amour pour les Beatles, le groupe allant même jusqu’à se présenter comme “The Drab Four” (les quatre “ternes”)en référence au surnom “The Fab Four” des quatre de Liverpool), Type O Negative aura su définir dans une vision, à la fois très personnelle et à la fois très précise, des paysages vastes et riches et, quoiqu’on en dise, uniques.

Si ses deux premiers albums offrent l’évocation d’artistes qui se cherchent musicalement dans un propos influencé essentiellement par des rythmes et un esprit Punk/Rock/Thrash, aux guitares froides et mécaniques sous-accordées, véritable être hybride où les passages Doom ne sont que des intermèdes délicieusement glauque et où le Gothique n’est pas primordial mais sous-jacent, c’est incontestablement avec Bloody Kisses que le groupe change, assez radicalement, de visage pour devenir un être principalement Doom/Gothique au charmes sensuels. L’album, qui marque véritablement un tournant important dans la carrière du groupe, va incontestablement marqué les esprits car, outre ces titres envoûtants, là où certains autres, à cette époque, instrumentalisent leur musique au travers de thèmes récurrents tel la mort, le désespoir, la poésie, la littérature, ou encore les quelconques autres vicissitudes souvent douloureusement imaginées dans un spectacle symbolique ou un certain romantisme suranné, et quelque peu surjoué, prend tout son sens, Type O Negative, quant à lui, privilégie, toujours encore, une certaine authenticité, certes souvent de manière insolente, mais assurément plus légitime. Il est largement aidé en cela par son chanteur, son humour et ses humeurs dépressives. Peter ne compose pas uniquement ce qu’il ressent, mais aussi ce qu’il vit et en quelque sorte ce qu’il est.

Si ce Bloody Kisses est dans son ensemble une synthèse d’émotions délicieuses et ensorcelantes qui caressent l’esprit au son de la voix suave, grave et charnelle de son chanteur, magnifiquement mise en avant par ces guitares profondes perdues, souvent, dans une lenteur infiniment mélancolique, c’est assurément avec les morceaux Christian Woman et Black N1 (Little Miss Scare-All) que le groupe offre la quintessence de son art. Retraçant avec une dérision sarcastique les souffrances d’une chrétienne déchirée entre son dévouement à Dieu et ses désirs les plus inavouables pour l’un et de la futilité face aux angoisses existentielles d’une femme gothique dont les soucis d’apparence sont ridiculisés pour l’autre, ils constituent l’ossature vertébrale la plus caractéristique de cette œuvre réussie. Dans une danse de séduction de plus de vingt minutes, le chant de Peter érotise les sens de l’auditoire, accompagné de riffs profonds. Les titres Summer Breeze, reprise du groupe Seals And Crofts, et Bloody Kisses (A Death in the Family), sont deux autres chapitres aux mélopées alanguies, qui, un peu moins bouleversant de cette Bible, s’inscrivent eux aussi dans cette page d’histoire comme d’excellents morceaux.

Parler d’autres titres tel que Set Me On Fire, To Late : Frozen ou Blood And Fire pour leur aspect plus “énergique”, plus “sauvage”, plus “rapide” sans évoquer que cette “énergie”, cette “sauvagerie”, cette “rapidité”, ne venant certainement pas nuire à l’ambiance de cette romance charmeuse que constitue cet album, est somme toute, assez relative, serait trompeur. En vérité seuls certains passages de We Hate Everyone, et surtout un Kill All the White People véloce, dernier relents Punk-Rock/Thrashy, viennent quelque peu déséquilibrer cette aubade. Ce dernier, ultime crachat aux visages de ceux qui accusèrent le groupe de sympathie fasciste, tente de discréditer ces accusations en prenant l’apostolat inverse, défendant un extrémisme prônant la suprématie du peuple noir.

L’atmosphère chargée de morceaux aux climats pesants de ce Bloody Kisses donne naissance à de profondes impressions délicieuses. Ces émois délectables se mêlent à ceux déstabilisant où l’étrangeté d’une folie douce n’est pas très loin. Peter Steele, en maître de cérémonie habile, vient semer ce trouble en complétant son œuvre par de petits instrumentaux aussi déroutants qu’incompréhensibles, aussi déstabilisants qu’inaccoutumés. Ces morceaux tels Machine Screw, Fay Wray Come Out and Play, Dark Side of the Womb, 3.O.I.F, qui donnent à entendre des machines ronflantes, des bébés hurlants et des femmes soit en mauvaises postures, soit en plein orgasme, sont autant de petites pièces qui viennent s’insérer parfaitement dans un puzzle aliénant, porte ouverte sur l’esprit troublé du chanteur. Imprégnant son auditoire de toutes ses émotions (romance, folie, mélancolie, …), l’homme peint ici un tableau complexe qui lui ressemble et, pour peu qu’on se laisse séduire, dans lequel on retrouvera forcément un peu de soi.

Cette lenteur, maintes fois évoquée, de mélodies lascives aux chants dramatiques sur fond de riffs indolents, marque sans conteste la moëlle naissante d’un style, faisant de ces particularités identitaires propres à Type O Negative, les références d’une frange de musiciens non négligeables. Si on peut parler d’inspiration évidente, on peut aussi évoquer bien plus que cela tant l’empreinte du groupe New Yorkais est, aujourd’hui encore, bien présente, telles des stigmates obligatoires, dans nombre d’œuvres. Ainsi on ne peut écouter The 69 Eyes, Him, Michelle Darkness, et d’autres encore sans immédiatement penser aux quatre de Brooklyn. Preuve en est que si Type O Negative n’est pas tout à fait une légende, en faisant de ce Bloody Kisses une œuvre historique incontournable, il pourrait bien le devenir.

Assurément, Angtoria fait partie de ceux qui, avec une sincérité indéniable, tentent de s’affranchir des carcans étrécis d’un genre qui, comme tant d’autres, est trop étroitement défini, entre autres, par des adeptes, parfois revêches, aux attentes préjugées inaliénables. Indéniablement, ce sont aussi les artistes qui donnent la saveur voulue à leur création, mais cet équilibre incertain, entre les volontés des uns et leurs attentes, et celle des autres et leurs envies créatives, conjugués à certains impératifs inhérents à la scène par laquelle chaque groupe tente de se définir, est parfois contradictoire et surtout, le berceau le plus cruel de dilemme cornélien. Souvent, confrontés à ce choix, les groupes se contentent du confort appréciable de la prise de risque minimum, et malheureusement n’offrent rien d’autre que des albums fades directement inspirés par les inspirations d’autres.

Formé par quelques musiciens efficients de scènes diverses telles que Black Metal, Death Metal, Power Metal, ou encore Progressive, avec notamment une Sarah Jezebel Deva au chant (Cradle Of Filth, Therion ou Mortiis), ou encore un Dave Pybus à la basse (Cradle Of Filth, Anathema) mais aussi Christian et Tommy Rehn aux guitares et claviers (Evergrey, Abyssos), nous étions en droit d’attendre d’une telle confrontation d’influences, forcément, un mélange surprenant.

Dès les premières mesures d’une courte intro, The Awakening, on sent d’avantage une symphonie aux accents tragédiens, composés pour réellement nous conter une histoire bien plus proche d’une réalité épique que de celle classique proposée à l’accoutumée. Mais c’est surtout à l’aide d’un I’m Calling débarrassé de cette apparence solennelle, d’habitude inévitable, qu’Angtoria nous offre l’aisance d’un morceau efficace aux refrains très réussis. Loin de cette emphase grandiloquente et magistralement ennuyeuse qui alourdit nombre des ?uvres de ces petits camarades, défendues aux sons de sonates soporifiques d’orchestres symphoniques et soulignant le lyrisme de divas divinement pompeuses, Saraj Jezebel Deva et ses comparses ont su revenir à cette simplicité essentielle et fondamentale. Enchaînant les titres d’un Metal Symphonique enfin limpide, le groupe affirme une personnalité forte et reconnaissable sur des titres aussi aboutis que God Has a Plan for Us All, Six Feet Under’s Not Deep Enough, ou encore Do You See Me Now. L’authentique sacre de l’?uvre d’Angtoria est la couronne que constitue Original Sin. Titre épique s’il en est, il nous mène dans les contrées d’un drame héroïque où les voix gutturales de Aaron Stainthorpe (My Dying Bride), et celle plus douce de Sarah Jezebel Deva, s’affrontent dans une apocalypse finale délectable.

Ajoutons que la production est intelligente, et que malgré l’usage de nombreux éléments mélodiques, chaque instrument, et notamment les guitares, occupe parfaitement l’espace qui doit être le sien.

Bien sûr ce God Has a Plan for Us All n’est pas exempt de tout défaut, et on y retrouve ça et là certains passages, certains éléments où l’on reconnaîtra aisément d’autres influences. On peut aussi entendre certains titres moins essentiels, ou tout simplement moins singuliers. Ainsi, citons Confide In Me ou encore Thats What the Wise Lady Said, qui, s’ils sont de jolis moments, ne sont pas forcément indispensables.

Quoiqu’il en soit avec ce disque aux propos plus épiques et moins classiques, avec des orchestrations plus subtiles et moins envahissantes, avec des guitares plus audibles et moins étouffées, avec une volonté d’offrir des morceaux plus essentiels et moins complexes, et avec une chanteuse plus soucieuse d’interprétation et moins de démonstration, Angtoria nous offre d’emblée une alternative pas totalement réussie mais bigrement plus intéressante, là où d’autres se contentent d’un immobilisme sclérosé.

Un aspect non négligeables de l’essence de la musique de ce groupe réside dans cette capacité à puiser son inspiration à d’autres sources que celles étroites de l’unique Metal. Du Doom au Post-Punk, en passant par le Thrash et même par le Pop/Rock (Peter n’ayant jamais caché son amour pour les Beatles, le groupe allant même jusqu’à se présenter comme “The Drab Four” (les quatre “ternes”)en référence au surnom “The Fab Four” des quatre de Liverpool), Type O Negative aura su définir dans une vision, à la fois très personnelle et à la fois très précise, des paysages vastes et riches et, quoiqu’on en dise, uniques.

Si ses deux premiers albums offrent l’évocation d’artistes qui se cherchent musicalement dans un propos influencé essentiellement par des rythmes et un esprit Punk/Rock/Thrash, aux guitares froides et mécaniques sous-accordées, véritable être hybride où les passages Doom ne sont que des intermèdes délicieusement glauque et où le Gothique n’est pas primordial mais sous-jacent, c’est incontestablement avec Bloody Kisses que le groupe change, assez radicalement, de visage pour devenir un être principalement Doom/Gothique au charmes sensuels. L’album, qui marque véritablement un tournant important dans la carrière du groupe, va incontestablement marqué les esprits car, outre ces titres envoûtants, là où certains autres, à cette époque, instrumentalisent leur musique au travers de thèmes récurrents tel la mort, le désespoir, la poésie, la littérature, ou encore les quelconques autres vicissitudes souvent douloureusement imaginées dans un spectacle symbolique ou un certain romantisme suranné, et quelque peu surjoué, prend tout son sens, Type O Negative, quant à lui, privilégie, toujours encore, une certaine authenticité, certes souvent de manière insolente, mais assurément plus légitime. Il est largement aidé en cela par son chanteur, son humour et ses humeurs dépressives. Peter ne compose pas uniquement ce qu’il ressent, mais aussi ce qu’il vit et en quelque sorte ce qu’il est.

Si ce Bloody Kisses est dans son ensemble une synthèse d’émotions délicieuses et ensorcelantes qui caressent l’esprit au son de la voix suave, grave et charnelle de son chanteur, magnifiquement mise en avant par ces guitares profondes perdues, souvent, dans une lenteur infiniment mélancolique, c’est assurément avec les morceaux Christian Woman et Black N1 (Little Miss Scare-All) que le groupe offre la quintessence de son art. Retraçant avec une dérision sarcastique les souffrances d’une chrétienne déchirée entre son dévouement à Dieu et ses désirs les plus inavouables pour l’un et de la futilité face aux angoisses existentielles d’une femme gothique dont les soucis d’apparence sont ridiculisés pour l’autre, ils constituent l’ossature vertébrale la plus caractéristique de cette ?uvre réussie. Dans une danse de séduction de plus de vingt minutes, le chant de Peter érotise les sens de l’auditoire, accompagné de riffs profonds. Les titres Summer Breeze, reprise du groupe Seals And Crofts, et Bloody Kisses (A Death in the Family), sont deux autres chapitres aux mélopées alanguies, qui, un peu moins bouleversant de cette Bible, s’inscrivent eux aussi dans cette page d’histoire comme d’excellents morceaux.

Parler d’autres titres tel que Set Me On Fire, To Late : Frozen ou Blood And Fire pour leur aspect plus “énergique”, plus “sauvage”, plus “rapide” sans évoquer que cette “énergie”, cette “sauvagerie”, cette “rapidité”, ne venant certainement pas nuire à l’ambiance de cette romance charmeuse que constitue cet album, est somme toute, assez relative, serait trompeur. En vérité seuls certains passages de We Hate Everyone, et surtout un Kill All the White People véloce, dernier relents Punk-Rock/Thrashy, viennent quelque peu déséquilibrer cette aubade. Ce dernier, ultime crachat aux visages de ceux qui accusèrent le groupe de sympathie fasciste, tente de discréditer ces accusations en prenant l’apostolat inverse, défendant un extrémisme prônant la suprématie du peuple noir.

L’atmosphère chargée de morceaux aux climats pesants de ce Bloody Kisses donne naissance à de profondes impressions délicieuses. Ces émois délectables se mêlent à ceux déstabilisant où l’étrangeté d’une folie douce n’est pas très loin. Peter Steele, en maître de cérémonie habile, vient semer ce trouble en complétant son ?uvre par de petits instrumentaux aussi déroutants qu’incompréhensibles, aussi déstabilisants qu’inaccoutumés. Ces morceaux tels Machine Screw, Fay Wray Come Out and Play, Dark Side of the Womb, 3.O.I.F, qui donnent à entendre des machines ronflantes, des bébés hurlants et des femmes soit en mauvaises postures, soit en plein orgasme, sont autant de petites pièces qui viennent s’insérer parfaitement dans un puzzle aliénant, porte ouverte sur l’esprit troublé du chanteur. Imprégnant son auditoire de toutes ses émotions (romance, folie, mélancolie, ?), l’homme peint ici un tableau complexe qui lui ressemble et, pour peu qu’on se laisse séduire, dans lequel on retrouvera forcément un peu de soi.

Cette lenteur, maintes fois évoquée, de mélodies lascives aux chants dramatiques sur fond de riffs indolents, marque sans conteste la moëlle naissante d’un style, faisant de ces particularités identitaires propres à Type O Negative, les références d’une frange de musiciens non négligeables. Si on peut parler d’inspiration évidente, on peut aussi évoquer bien plus que cela tant l’empreinte du groupe New Yorkais est, aujourd’hui encore, bien présente, telles des stigmates obligatoires, dans nombre d’?uvres. Ainsi on ne peut écouter The 69 Eyes, Him, Michelle Darkness, et d’autres encore sans immédiatement penser aux quatre de Brooklyn. Preuve en est que si Type O Negative n’est pas tout à fait une légende, en faisant de ce Bloody Kisses une ?uvre historique incontournable, il pourrait bien le devenir.

Une union réussie parfaite ? Pas tout à fait. Car dans une démarche relativement proche de celle de ses compatriotes de The Gathering, sur des titres tels que Restless, Pearls of Light, ou encore Blooded, Within Temptation entreprends d’enfanter une différence bien trop infime pour qu’elle constitue réellement le socle d’un changement notoire qui, à défaut d’être captivant, pourrait au moins être intéressant. Ces trois titres, attitude aux similitudes assez indéniables pourraient donc faire du particularisme de ce groupe une posture bien trop peu singulière pour n’être rien de plus qu’anecdotique. On peut aussi noter que l’aspect incontestablement moins cru de ces morceaux, éloigne, d’ores et déjà, Within Temptation de ces racines les plus Death. Cette conception plus enchanté et moins dramatiquement sombre, nourris d’une déclamation qu’on pourrait qualifier de « symphonique » avant l’heure, soulignant et souligné par une voix féminine moins solennel, ainsi que par la présence plus mesurés des voix Death, ainsi que la vision entrevue dans certains autres albums de certains autres groupes, laissent pressentir les prémices de ce que sera, bientôt le Metal Symphonique féminin.

Pourtant, si avec ces chansons, Within Temptation affirme bien trop maladroitement une personnalité propre, et bien trop insolemment une nature surtout empruntés a l’autre, dans un amalgame musical qui, pour ces titres là tout au moins, n’a rien de véritablement nouveau à offrir ; il sait aussi se construire dans des compositions bien moins délicates et bien plus individuel. Et c’est assurément là que réside tout l’intérêt de ce Enter, lorsque la communion de toutes les idées imprègne son propos pour en donner une vision plus personnel et plus homogène, la vision de Within Temptation.

Dans les dédales Doom/Death de morceaux tels que Enter, ou Grace, aux voix gutturales masculines, dont la présence est bien plus discrète que sur les albums marquant à l’époque, déjà, la tendance d’un genre, mais qui surtout s’exprime dans une opposition bien moins manichéenne, les éléments caractéristiques de cette union donnent toute la noblesse qu’il mérite à l’art de Within Temptation. Timbres célestes, tonalité de chants âpres, aubades de mélodies rieuses, riffs pesant et sombres, s’y mêlent en de mélancolique ritournelle où se heurtes délicatement des impressions dans un improbable ménage enjoué et triste tout à la fois. Deep Within et son riff plus accablant encore, nous plonge, un peu plus, dans les affres d’un malaise dont le trouble est plus saisissant sans la présence des chants de Sharon. Et lorsque le couvercle du cercueil vient subtilement se refermé sur notre plaisir dans les prières exquises et ténébreuses d’un Candles, dans les effluves douce amère de rose mourantes, seul les angoisses de bonheurs romantiques contrariés semblent nous tendre leurs bras décharnées. C’est beau, c’est sombre, c’est amer et romantique, en un mot c’est l’expression musical du gothisme dans de prodigieux apparats.

Avec ce Enter, à la stabilité précaire, le funambule Within Temptation, sur la corde raide, laisse pendre son pied au dessus d’un vide tantôt Doom/Death délectable sublimant l’?uvre d’un Theatre Of Tragedy, tantôt au dessus de celui d’une musique Gothique bien moins succulente parodiant les travaux d’un The Gathering n’ajoutant qu’à son discourt, une déclamation symphonique accrue, pour un résultat délicieux.

Il ne fallut pas moins de 15 longues années pour que la carcasse froide ne ressurgisses du tombeau et ne brandisse, de ces mains décharnés les divagations d’un Reborn, très justement intitulés, relents étrangement décalés aux riffs Neo Metal et aux propos nettement plus modernes que son prédécesseur. Perdu dans les errements d’un style qui n’était pas vraiment le sien (cocasse si l’on songe qu’il fut un de ceux dont l’apparition contribua au trépas des comparses des frères Sweet), Stryper, avec ce Reborn, jettera, d’une part, dans les affres d’un trouble déconcertant ses adeptes les plus assidus et d’autres part ne pourra pas réellement en convaincre beaucoup de nouveaux à rejoindre sa cause, tant le Neo, en ce milieu des années 2000 est à l’agonie. Il fallait donc réagir.

Et d’emblée, avec ce Murder by Pride, on sent le groupe mû par cette volonté de composer une musique plus proche de celle de ses inspirations d’antan. Sur les chemins à la croisée d’un Hard Rock US très inspiré des années 80 et d’un Rock très accrocheur, il n’a gardé de son prédécesseur aux effluves Neo, que les stigmates de riffs aux sons lourds et massifs sans en garder le particularisme des mélodies. Ainsi après les premiers pas d’un Eclipse of the Son, morceau rock très entrainant, mais étonnamment atypique au milieu du reste de cette ?uvre, on retrouve l’esprit du classicisme de Stryper, période Against the Law, avec des titres tels que 4 Leafs Clover, The Plan, Murder by Pride, Love Is Why, Mercy Over Blame ou encore Everything. Paradoxalement si l’on y retrouve les parfums de ce conservatisme, c’est uniquement en apparence, puisque les différences qui séparent Against the Law et Murder by Pride sont pourtant assez incontestables. Il y a d’abord ces guitares plus graves, plus pesantes qui sévissent tout au long de l’album là où, sur un Against the Law, elles se faisaient clairement plus Rock, clairement plus aérienne. Il y a ensuite le traitement de ces refrains aux ch?urs nettement plus présents, nettement plus travaillé, là où autrefois la simplicité accrocheuse et direct était de rigueur. L’ensemble cohérent qui en résulte, bien que réussie, n’en demeure pas moins en deçà de la spontanéité évidente d’un excellent Against the Law. L’autre point qui prêtera forcement à discussion, c’est la présence, sans doute, bien trop nombreuse, de morceaux qui, s’ils ne sont pas tout à fait des ballades, peuvent être assimilés comme telles, tant la fougue et l’ardeur de ces titres n’est pas des plus virulentes, et sacrifie l’exaltation à l’harmonie bien plus mélodieuse. Ainsi excepté Alive qui lui nous entraine, bel et bien, dans les sphères de romance pas réellement transcendante, mais dans lequel la présence intelligemment composé de violon est suffisamment intéressante pour qu’elle nous empêche de nous conduire vers un inexorable ennui ; en dehors de ce Alive, disais-je, il y a d’autres morceaux nettement moins passionnant. Ainsi les douceurs telles I Believe, Run in You et Love Is Why, alourdissent considérablement cet album. Cependant, même si ces titres placés les uns derrières les autres constituent véritablement le ventre mou de ce disque, il est important de se souvenir que Stryper nous les proposent comme un exercice de style inhérent et cohérent avec le genre de musique qu’il pratique aujourd’hui. Assurément Stryper n’est ni Napalm Death, ni Marduk et trouver ballades, et autres sucreries dans sa musique n’a donc rien d’étonnant. De plus considérant la longueur de l’album, il reste suffisamment de titres plaisant à ce disque pour définitivement nous convaincre.

Un album infiniment plus intéressant que Reborn donc, mais infiniment moins que Against the Law. Quoiqu’il en soit Stryper est assurément sur le chemin de la rédemption et il y avance à grand pas.

Formé en 1995, à Zielona Gora, petite ville de Pologne, Artrosis s’inscrit dans une philosophie très proche de celle des deux groupes déjà cité. Les similitudes flagrantes entre les intonations vocales de sa chanteuse Magdalena »Medeah » Dobosz et celles de Anneke Van Griesbergen sont indéniables. On doit aussi parler de ressemblances musicales évidentes. Artrosis partage avec ces « tragédiens » allemands le goût pour ce doux enlisement de mélodies aux sons lascifs, et avec l’école hollandaise celui de rythmes parfois plus soutenues. Au fond a l’exception des ses origines ce groupe pourrait n’être rien d’autre qu’une étrangeté anecdotique.

Et pourtant là ou nos Polonais offre une véritable évocation différente c’est, tout d’abord, dans l’amalgame réussis de ces deux influences majeures. Il donne en effet un récital contradictoire où la délicatesse ténébreuse atmosphérique très allemande s’unie formidablement à l’énergie plus «virulente» de guitares et à de tempos plus hollandais. Union délicieuse avec laquelle il se positionne donc très clairement, à l’instar de The Gathering, souvent dans une approche très lointaine de ce Doom/Death originel, mais aussi, à l’image de Theatre Of Tragedy, dans une inquiétante grâce, dans une paisible tristesse, avec notamment l’utilisation de ces nappes de synthé, de ces pianos et de ces violons, et parfois de ces passages plus lents, déjà indispensable au genre.

C’est ensuite dans la personnalité propre de l’entité Artrosis qu’il faut trouver son particularisme le plus envoutant. Proche d’un cri primal originel, proche d’une vérité organique qui vient du plus profond de son âme il exprime ses langueurs tourmentés, et belles tout à la fois, dans la langue Polonaise qui l’a vus naitre. Ses mots se chargent alors d’une aura mystérieuse très poignante, et particulièrement adéquates aux émotions propres à ce nouveaux mouvements naissant. Il parait, bien entendu, évident que Medeah sculpte de manière plus nuancé et plus naturelle les contours d’un émoi bien plus palpable et bien plus gracieux dans les intonations d’une expression qu’elle use depuis toujours, que dans celle plus emprunté d’un anglais qui serait forcement plus forcé.

Pour en finir avec ces divergences enrichissantes, on ne peut parler du Artrosis de ces années-là sans mentionner ses musiciens, ou plutôt leurs absences. Impuissant à trouver un vrai batteur, l’instrument est joué par Maciej Niedzielski à l’aide de son synthé. Si cette déficience derrière les fûts aurait pu, et aurait du, constituer un véritable handicap pour la musique du trio, elle en sera, pourtant, un de ses plus grands atouts. Ces note de cymbales, de caisses claires et de toms virtuels, froide et pesante, machinale et sans vie, conduisent chaque riff tourmenté et mélancolique de Krzysztof « Chris » Bialas dans une alliance aux mécaniques implacables, et souligné admirablement par le contraste, avec une Medeah très aérienne, vers un inexorable trouble saisissant.

Cette opposition entre l’aspect organique et éthéré des voix, des éléments classiques liés aux genres (violons, synthés?) et l’aspect mécanique et accablant de la musique est l’essence même du paradoxe, et surtout de la magie lié à ce groupe. Elle illustre de manière très différente cette dualité beauté/laideur, lumière/obscurité, que Theatre Of Tragedy exprime dans ces conversations entre vocaux Death masculin et chants clairs féminins.

L’album le plus représentatif du travail d’Artrosis reste ce Ukryty Wymiar, sortis principalement sur le territoire Polonais dans un relatif anonymat, et qui doit son succès aux médias locaux, et à un public toujours plus grand. Tant et si bien que ce retentissement conduira le groupe à envisager une sortie moins confidentielle sous le nom de Hidden Dimensions. En effet soucieux de rendre son propos moins inaccessible, les chansons et le titre de cet album seront traduites et proposés dans des versions Anglaises, leurs faisant perdre un peu de ce charme énigmatique.

Quoiqu’il en soit ce Ukryty Wymiar donne à entendre les mélodies envoutantes d’une ?uvres entêtante. Dès les premières mesures Lisa nous hypnotise. Ce titre, aux lenteurs infinies, ou Medeah nous invite à un périple intérieur profond, et ce d’une plainte épurée de tout mot, unique lamentation incantatoire accompagnée d’un riff incessant et sombre, d’une nappe de clavier et de quelques sons de synthés. Dans un registre très similaire, Rezka Istnien, y rajoute simplement la gravité de quelques narrations masculines parlées. Ce voyage ne prendra fin que lorsque résonneront en nous le dernières notes de Szmaragdowa Noc, qui est sans doute, malgré ses violons, le titre le moins Gothique de ce disque et qui préfigure déjà, un peu, de la direction musical que prendra Artrosis par la suite.

Chaque titres de ce Ukryty Wymiar est un paysage unique ou se mêle des couleurs ternes et d’autres moins pâles pour donner un tableau émouvant. Une de ces fenêtres sur le monde d’Artrosis, Zywiolom Spetanym, dans ses passages rythmiques les plus soutenus et ses sonorités de guitares les moins sombres, nous laissent entrevoir, sans doute très involontairement, les infimes prémices de ce qui bientôt sera le Metal Symphonique féminin. Ce qui n’est pas absurde si l’on songe que The Gathering est à la fois une des influences de ce genre, et une influence majeur d’Artrosis.

Le reste de l’album s’inscrit parfaitement dans cette confrontation de style décrite plus haut, ou Artrosis se nourrit à la fois du Doom/Death des uns, du Gothique plutôt Rock des autres et parfois même, de manière très brève, de Heavy. Et cela pour nous offrir une ?uvre de Metal Gothique riche, pas forcement majeur, mais assurément inoubliable.

Une union réussie parfaite ? Pas tout à fait. Car dans une démarche relativement proche de celle de ses compatriotes de The Gathering, sur des titres tels que Restless, Pearls of Light, ou encore Blooded, Within Temptation entreprends d’enfanter une différence bien trop infime pour qu’elle constitue réellement le socle d’un changement notoire qui, à défaut d’être captivant, pourrait au moins être intéressant. Ces trois titres, attitude aux similitudes assez indéniables pourraient donc faire du particularisme de ce groupe une posture bien trop peu singulière pour n’être rien de plus qu’anecdotique. On peut aussi noter que l’aspect incontestablement moins cru de ces morceaux, éloigne, d’ores et déjà, Within Temptation de ces racines les plus Death. Cette conception plus enchanté et moins dramatiquement sombre, nourris d’une déclamation qu’on pourrait qualifier de « symphonique » avant l’heure, soulignant et souligné par une voix féminine moins solennel, ainsi que par la présence plus mesurés des voix Death, ainsi que la vision entrevue dans certains autres albums de certains autres groupes, laissent pressentir les prémices de ce que sera, bientôt le Metal Symphonique féminin.

Pourtant, si avec ces chansons, Within Temptation affirme bien trop maladroitement une personnalité propre, et bien trop insolemment une nature surtout empruntés a l’autre, dans un amalgame musical qui, pour ces titres là tout au moins, n’a rien de véritablement nouveau à offrir ; il sait aussi se construire dans des compositions bien moins délicates et bien plus individuel. Et c’est assurément là que réside tout l’intérêt de ce Enter, lorsque la communion de toutes les idées imprègne son propos pour en donner une vision plus personnel et plus homogène, la vision de Within Temptation.

Dans les dédales Doom/Death de morceaux tels que Enter, ou Grace, aux voix gutturales masculines, dont la présence est bien plus discrète que sur les albums marquant à l’époque, déjà, la tendance d’un genre, mais qui surtout s’exprime dans une opposition bien moins manichéenne, les éléments caractéristiques de cette union donnent toute la noblesse qu’il mérite à l’art de Within Temptation. Timbres célestes, tonalité de chants âpres, aubades de mélodies rieuses, riffs pesant et sombres, s’y mêlent en de mélancolique ritournelle où se heurtes délicatement des impressions dans un improbable ménage enjoué et triste tout à la fois. Deep Within et son riff plus accablant encore, nous plonge, un peu plus, dans les affres d’un malaise dont le trouble est plus saisissant sans la présence des chants de Sharon. Et lorsque le couvercle du cercueil vient subtilement se refermé sur notre plaisir dans les prières exquises et ténébreuses d’un Candles, dans les effluves douce amère de rose mourantes, seul les angoisses de bonheurs romantiques contrariés semblent nous tendre leurs bras décharnées. C’est beau, c’est sombre, c’est amer et romantique, en un mot c’est l’expression musical du gothisme dans de prodigieux apparats.

Avec ce Enter, à la stabilité précaire, le funambule Within Temptation, sur la corde raide, laisse pendre son pied au dessus d’un vide tantôt Doom/Death délectable sublimant l’?uvre d’un Theatre Of Tragedy, tantôt au dessus de celui d’une musique Gothique bien moins succulente parodiant les travaux d’un The Gathering n’ajoutant qu’à son discourt, une déclamation symphonique accrue, pour un résultat délicieux.

Véritablement en danger, Europe décide donc de mettre toute les chances de son côté et ce, afin d’offrir à son public, et aux autres, un album, enfin, à la mesure de son talent. Pour se faire il va s’adjoindre les services du producteur Beau Hill (Warrant, Ratt…). S’il est difficile de dire qui est réellement l’instigateur le plus convaincu et le plus acharné du repositionnement musical qui va avoir lieu, car il va avoir lieu, il serait absurde de penser que le producteur y est totalement étranger. Un premier pas clair en ce sens aura sans doute été fait par le groupe, et notamment par la sélection de l’homme derrière les manettes (Beau étant reconnue dans le milieu, certes, pour son travail reconnaissable, mais surtout, pour sa réussite, et sans nul doute que cet aspect n’aura pas été, non plus, anodin dans la décision de ce recrutement) il lui aura suffis, ensuite, de poursuivre dans cette voie définis peut-être timidement mais de manière très clair par le groupe. On peut aussi penser que ce choix artistique d’une musique différente est l’œuvre d’un travail partagé de concert par des artistes travaillant tous ensemble. Si le détail du maitre d’œuvre de cette décision forte n’est pas des plus importantes, ces conséquences le sont sans aucun doute.

Car, en effet, dès l’entame de ce disque les desseins y sont très clairement définis. Europe y affirme avec détermination son engagement vers une musique plus Rock. Plus Rock, peut-être, mais certainement pas moins mélodiques. Car si sur les fondements d’une intro aux riffs, peut-être pas exactement bluesy dans le sens le plus traditionnel de ce terme, mais assurément dans l’acception de son aspect d’authenticité, il nous offre un All or Nothing énergique et réussi qui vient aiguiser notre intérêt. Ce morceau, dans lequel les éléments mélodiques sont les résultats de la complémentarité, essentiellement, guitare/voix, dont on devinait que l’union, d’une part, d’un Joey excellant, et d’autre part d’un Kee ayant le talent suffisant pour que cette association donne le meilleur, donne la tonalité. Et nul autre artifice, ou si peu, vient contrarier cette entente harmonieuse, car l’autre facteur primordiale de ce premier morceau est qu’il ne contient pas, ou peu, de clavier et qu’on peut, enfin, y entendre les autres instruments comme les éléments centraux de la composition. Cette bonne surprise, indispensable à mon sens, véritable ligne directrice de l’album, ainsi que son orientation clairement plus Rock, en sont les deux piliers essentiels de ses qualités les plus évidentes.

Parler de sincérité pour cet œuvre n’est pas anodin, tant on y ressent la franchise avec laquelle Europe se met à nu. Joey Tempest y chante admirablement, ciselant l’émotion, tantôt dans un rugissement, tantôt dans une expiration douce; Kee y démontre, enfin, ses talents de guitaristes et de solistes de manière très inspirés, Mic y saupoudre avec parcimonie ses claviers comme un élément essentiel mais secondaire de la mélodie. Communiant leurs efforts pour un ouvrage dont le travail captivant offre un condensé succulent dans le genre. Devant la maestria d’une telle création, dans laquelle ce nouvel amalgame musical aux titres intensément Rock, intensément enivrant, s’exprime avec des chansons telle que Little Bit Of Lovin’, Bad Blood, Girls From Lebanon, ou avec des titres plus romantiques s’intégrant parfaitement à l’ensemble telle que les ballades I’ll Cry For You ou encore l’excellent Prisonners in Paradise; ou encore avec ceux moins intéressant, tel Til my Heart Beats Down Your Door ; passer sous silence l’incroyable Got Your Mind in the Gutter ne serait que pure hérésie soufflé par la stupidité des opposants, les plus ouvertement fermé d’esprit, de Europe. Ce titre succulent avec son intro bluesy dans laquelle Joey susurre suavement ses mots nous entraine sur des territoires inconnus et, malheureusement, trop peu explorés par le groupe.

Au fond, il est assez paradoxal de se dire que, finalement, c’est sans doute avec son album le plus inspiré, le plus diversifié, le plus réussi en somme, que Europe finira par s’éteindre. Une partie de l’explication tient certainement dans le contexte (un contexte dans lequel le paysage musical Hard Rock et Metal était en pleine mutation, avec des attentes toujours plus grandes d’un public pour des œuvres toujours plus virulentes et agressives) et l’époque dans lequel sortis cet album. En effet il n’est pas absurde de se dire que, sans doute, ces facteurs de changements fondamentaux auront assurément joués en sa défaveur.

Véritablement en danger, Europe décide donc de mettre toute les chances de son côté et ce, afin d’offrir à son public, et aux autres, un album, enfin, à la mesure de son talent. Pour se faire il va s’adjoindre les services du producteur Beau Hill (Warrant, Ratt…). S’il est difficile de dire qui est réellement l’instigateur le plus convaincu et le plus acharné du repositionnement musical qui va avoir lieu, car il va avoir lieu, il serait absurde de penser que le producteur y est totalement étranger. Un premier pas clair en ce sens aura sans doute été fait par le groupe, et notamment par la sélection de l’homme derrière les manettes (Beau étant reconnue dans le milieu, certes, pour son travail reconnaissable, mais surtout, pour sa réussite, et sans nul doute que cet aspect n’aura pas été, non plus, anodin dans la décision de ce recrutement) il lui aura suffis, ensuite, de poursuivre dans cette voie définis peut-être timidement mais de manière très clair par le groupe. On peut aussi penser que ce choix artistique d’une musique différente est l’œuvre d’un travail partagé de concert par des artistes travaillant tous ensemble. Si le détail du maitre d’œuvre de cette décision forte n’est pas des plus importantes, ces conséquences le sont sans aucun doute.

Car, en effet, dès l’entame de ce disque les desseins y sont très clairement définis. Europe y affirme avec détermination son engagement vers une musique plus Rock. Plus Rock, peut-être, mais certainement pas moins mélodiques. Car si sur les fondements d’une intro aux riffs, peut-être pas exactement bluesy dans le sens le plus traditionnel de ce terme, mais assurément dans l’acception de son aspect d’authenticité, il nous offre un All or Nothing énergique et réussi qui vient aiguiser notre intérêt. Ce morceau, dans lequel les éléments mélodiques sont les résultats de la complémentarité, essentiellement, guitare/voix, dont on devinait que l’union, d’une part, d’un Joey excellant, et d’autre part d’un Kee ayant le talent suffisant pour que cette association donne le meilleur, donne la tonalité. Et nul autre artifice, ou si peu, vient contrarier cette entente harmonieuse, car l’autre facteur primordiale de ce premier morceau est qu’il ne contient pas, ou peu, de clavier et qu’on peut, enfin, y entendre les autres instruments comme les éléments centraux de la composition. Cette bonne surprise, indispensable à mon sens, véritable ligne directrice de l’album, ainsi que son orientation clairement plus Rock, en sont les deux piliers essentiels de ses qualités les plus évidentes.

Parler de sincérité pour cet œuvre n’est pas anodin, tant on y ressent la franchise avec laquelle Europe se met à nu. Joey Tempest y chante admirablement, ciselant l’émotion, tantôt dans un rugissement, tantôt dans une expiration douce; Kee y démontre, enfin, ses talents de guitaristes et de solistes de manière très inspirés, Mic y saupoudre avec parcimonie ses claviers comme un élément essentiel mais secondaire de la mélodie. Communiant leurs efforts pour un ouvrage dont le travail captivant offre un condensé succulent dans le genre. Devant la maestria d’une telle création, dans laquelle ce nouvel amalgame musical aux titres intensément Rock, intensément enivrant, s’exprime avec des chansons telle que Little Bit Of Lovin’, Bad Blood, Girls From Lebanon, ou avec des titres plus romantiques s’intégrant parfaitement à l’ensemble telle que les ballades I’ll Cry For You ou encore l’excellent Prisonners in Paradise; ou encore avec ceux moins intéressant, tel Til my Heart Beats Down Your Door ; passer sous silence l’incroyable Got Your Mind in the Gutter ne serait que pure hérésie soufflé par la stupidité des opposants, les plus ouvertement fermé d’esprit, de Europe. Ce titre succulent avec son intro bluesy dans laquelle Joey susurre suavement ses mots nous entraine sur des territoires inconnus et, malheureusement, trop peu explorés par le groupe.

Au fond, il est assez paradoxal de se dire que, finalement, c’est sans doute avec son album le plus inspiré, le plus diversifié, le plus réussi en somme, que Europe finira par s’éteindre. Une partie de l’explication tient certainement dans le contexte (un contexte dans lequel le paysage musical Hard Rock et Metal était en pleine mutation, avec des attentes toujours plus grandes d’un public pour des œuvres toujours plus virulentes et agressives) et l’époque dans lequel sortis cet album. En effet il n’est pas absurde de se dire que, sans doute, ces facteurs de changements fondamentaux auront assurément joués en sa défaveur.

Véritablement en danger, Europe décide donc de mettre toute les chances de son côté et ce, afin d’offrir à son public, et aux autres, un album, enfin, à la mesure de son talent. Pour se faire il va s’adjoindre les services du producteur Beau Hill (Warrant, Ratt…). S’il est difficile de dire qui est réellement l’instigateur le plus convaincu et le plus acharné du repositionnement musical qui va avoir lieu, car il va avoir lieu, il serait absurde de penser que le producteur y est totalement étranger. Un premier pas clair en ce sens aura sans doute été fait par le groupe, et notamment par la sélection de l’homme derrière les manettes (Beau étant reconnue dans le milieu, certes, pour son travail reconnaissable, mais surtout, pour sa réussite, et sans nul doute que cet aspect n’aura pas été, non plus, anodin dans la décision de ce recrutement) il lui aura suffis, ensuite, de poursuivre dans cette voie définis peut-être timidement mais de manière très clair par le groupe. On peut aussi penser que ce choix artistique d’une musique différente est l’œuvre d’un travail partagé de concert par des artistes travaillant tous ensemble. Si le détail du maitre d’œuvre de cette décision forte n’est pas des plus importantes, ces conséquences le sont sans aucun doute.

Car, en effet, dès l’entame de ce disque les desseins y sont très clairement définis. Europe y affirme avec détermination son engagement vers une musique plus Rock. Plus Rock, peut-être, mais certainement pas moins mélodiques. Car si sur les fondements d’une intro aux riffs, peut-être pas exactement bluesy dans le sens le plus traditionnel de ce terme, mais assurément dans l’acception de son aspect d’authenticité, il nous offre un All or Nothing énergique et réussi qui vient aiguiser notre intérêt. Ce morceau, dans lequel les éléments mélodiques sont les résultats de la complémentarité, essentiellement, guitare/voix, dont on devinait que l’union, d’une part, d’un Joey excellant, et d’autre part d’un Kee ayant le talent suffisant pour que cette association donne le meilleur, donne la tonalité. Et nul autre artifice, ou si peu, vient contrarier cette entente harmonieuse, car l’autre facteur primordiale de ce premier morceau est qu’il ne contient pas, ou peu, de clavier et qu’on peut, enfin, y entendre les autres instruments comme les éléments centraux de la composition. Cette bonne surprise, indispensable à mon sens, véritable ligne directrice de l’album, ainsi que son orientation clairement plus Rock, en sont les deux piliers essentiels de ses qualités les plus évidentes.

Parler de sincérité pour cet œuvre n’est pas anodin, tant on y ressent la franchise avec laquelle Europe se met à nu. Joey Tempest y chante admirablement, ciselant l’émotion, tantôt dans un rugissement, tantôt dans une expiration douce; Kee y démontre, enfin, ses talents de guitaristes et de solistes de manière très inspirés, Mic y saupoudre avec parcimonie ses claviers comme un élément essentiel mais secondaire de la mélodie. Communiant leurs efforts pour un ouvrage dont le travail captivant offre un condensé succulent dans le genre. Devant la maestria d’une telle création, dans laquelle ce nouvel amalgame musical aux titres intensément Rock, intensément enivrant, s’exprime avec des chansons telle que Little Bit Of Lovin’, Bad Blood, Girls From Lebanon, ou avec des titres plus romantiques s’intégrant parfaitement à l’ensemble telle que les ballades I’ll Cry For You ou encore l’excellent Prisonners in Paradise; ou encore avec ceux moins intéressant, tel Til my Heart Beats Down Your Door ; passer sous silence l’incroyable Got Your Mind in the Gutter ne serait que pure hérésie soufflé par la stupidité des opposants, les plus ouvertement fermé d’esprit, de Europe. Ce titre succulent avec son intro bluesy dans laquelle Joey susurre suavement ses mots nous entraine sur des territoires inconnus et, malheureusement, trop peu explorés par le groupe.

Au fond, il est assez paradoxal de se dire que, finalement, c’est sans doute avec son album le plus inspiré, le plus diversifié, le plus réussi en somme, que Europe finira par s’éteindre. Une partie de l’explication tient certainement dans le contexte (un contexte dans lequel le paysage musical Hard Rock et Metal était en pleine mutation, avec des attentes toujours plus grandes d’un public pour des œuvres toujours plus virulentes et agressives) et l’époque dans lequel sortis cet album. En effet il n’est pas absurde de se dire que, sans doute, ces facteurs de changements fondamentaux auront assurément joués en sa défaveur.