Petite précision, Royal Hunt est plus un groupe de Hard Mélodique que Metal Progressif comme c’est souvent indiqué sur l’emballage. Last Goodbye annonce tout de suite la couleur avec sa batterie carrée, ses guitares précises et son synthé omniprésent. Le chant parfait, soutenu par des choeurs bien placés sur des mélodies entraînantes, laisse songeur sur la suite. Si tout l’album est de ce niveau, ça va faire mal… Et ça fait vraiment mal ! Le splendide Far Away, est une tuerie absolue. Véritable démonstration mélodique et vocale ou D.C. Cooper atteint des sommets. Le titres suivant, Step By Step, joyeux et rythmé avec ce léger swing omniprésent et son refrain de tueur est encore un incontournable du groupe. Même d’instrumental Autograph passe comme une lettre à la poste. Cet album est bon de bout en bout pour peu qu’on soit sensible au travail bien fait, aux mélodies accrocheuses et à la musique qui caresse les tympans.

Certes, par la suite, Royal Hunt a fait des titres exceptionnels comme la trilogie Lies, Follow Me et Voices sur l’excellent album Lies, ou l’imparable Long Way Home sur Paradox. Mais Moving Target est à mon avis le disque le plus équilibré du groupe. Pas de réelle faiblesse et un vrai plaisir d’écoute pendant 42 minutes, c’est tellement rare. Sa Majesté sera toujours la bienvenue chez moi. Royal c’est le mot qui défini le mieux cet opus et ce groupe méconnu.

Après avoir passé une bonne heure à contempler la pochette durant mon trajet en métro, je lance le vinyl sur la platine. Le son franchement Metal me refroidit un peu mais la qualité des musiciens me séduit. Entrance suivit d’Another Candle et son riff bien lourd annonce un disque vraiment original. Rares sont les formations qui possèdent une section rythmique aussi impressionnante. Les titres s’enchaînent et je prend vraiment un plaisir incroyable quand arrive Tear Down The Walls, très agressif et à la mise en place incroyable. Hands Of Destiny et son refrain accrocheur est très plaisant à écouter. En 1986 rien de tel n’existe mais aujourd’hui, on peut dire que cet album annonce les groupes de Metal Progressif très techniques tel que Dream Theater. Malheureusement Heir Apparent n’a pas eu le succès d’Helloween ou de Queensryche mais il reflète bien l’état d’esprit de l’époque assez proche de ces deux groupes.

Le son a un peu vieillit, il manque de puissance, surtout dans les guitares. Pour ceux qui veulent revenir aux sources c’est assez amusant d’écouter ce qu’on a pu à l’époque trouver génial (Au point d’aller les voir en concert pour ma part). Pour les jeunes archéologues du Metal je conseille une petite écoute des titres cités plus haut. Un bon petit disque qui a marqué certainement quelques personnes à l’époque.

Nous sommes en 1976, année de la grande canicule en France quand débarque cet OVNI de la galaxie Guitare. Tom Scholz en bon ingénieur à composé tout les titres et s’est occupé personnellement du traitement du son. Et Boston, c’est avant tout un son incroyable. Tom Scholz a inventé pour l’occasion un petit appareil révolutionnaire, qui marquera une génération de guitaristes : Le Rockman. C’est une sorte de walkman ou l’on peut brancher sa guitare et s’écouter au casque. Il intègre une distorsion et une reverb pré-réglée qui donne un son identique à celui du band. J’avoue avoir tripé comme un malade sur cet engin à l’époque. Bref, il faut signaler également la présence d’un excellent chanteur : Brad Delp, (mort cette année 2008) qui est LA voix du groupe. En 1976, le rock FM n’existe pas encore, mais Boston va inventer ce genre.

L’album s’ouvre sur “More Than A Feeling” un énorme tube que l’on peut entendre dans “Rencontre Du Troisième Type” (pour les cinéphiles amateurs de Spielberg). La première claque vient évidement du son. Une sorte de Folk/Rock/Hard extrêmement mélodieux avec des harmonies vocales superbes sur le refrain. Les chorus de guitare son presque des thèmes mélodiques avec toujours cette texture sonore très personnelle.

Avec “Peace Of Mind” et sa mélodie entraînante, on continu dans le même registre. L’introduction de “Foreplay/Long Time”, très progressive avec son solo d’orgue rappel les beaux jours d’Emerson, Lake and Palmer mais débouche sur un nouveau titre dans la même lignée que les précédents. La rythmique folk qui se transforme en hard sur la fin est une super trouvaille que l’on retrouvera sur “Don’t look back“, le titre d’ouverture du second album. J’adore la rythmique compacte de “Rock & Roll Band”, quand à “Smoking” c’est un de mes morceaux préférés (encore plus percutant en live). Une sorte de rock & roll/Boogie speedé aux guitares incroyables. La ligne de basse groovie, très 70’s et le chorus d’orgue font mouche à chaque fois.

Pour clore ce chef d’?uvre, Brad Delp nous offre sa première composition “Take me Home Tonight” magnifique. Sa voix douce et rythmée donne tout son sens à la mélodie entrainante et bourrée de tendresse. Un grand moment d’émotion !

Ce disque sent les 70’s et c’est certainement le meilleur album du genre. A écouter avec l’esprit orienté vers l’amour et la fraternité… Ça ne peut pas faire de mal. Bande de crasseux !

Cherchant vainement la belle mélodie, animé que j’étais par les images de Woodstock qui trottaient dans ma tête, je découvris que Uli Jon avait un frère au nom tout aussi énigmatique : Zeno.

Alors, pour toi lecteur, sache que le Zeno n’est pas du métal et qu’il pourrait donc ne pas être chroniqué dans Spirit Of Metal. Ne le confond pas non plus avec le xenon qui est un gaz. Car Zeno est tout autant Metal que aérien. C’est là sa principale caractéristique.

Le premier album de notre ami surf sur la vague du rock FM (avec foulards au vent et moule burnes ridicule) et propose un rock accrocheur tout en gardant une touche d’héroïsme dans la guitare. Car Zeno est un peu comme son frère, il aime la grandiloquence et les envolées lyriques. Amour que je partage avec eux sans fausse modestie (mais sans arrière pensée non plus).

Pour résumer, si tu kiffes le gros Metal qui pue des pieds, passes ton chemin. Ici, on est en famille. On tend la main à nos amis, on regarde s’envoler les colombes alors que le soleil se couche, on porte des chapeaux comme Stevie Ray Vaughan et on surveille de loin l’agressivité de nos contemporains en se demandant si l’éveil n’est pas atteint, si Bouddha ne va pas surgir de derrière le vieux chêne qui nous offre son ombre bienfaisante.

Zeno c’est la paix intérieur à porté de main.

Mais je n’ai pas parlé du chanteur Michael Flexig à la voix ahurissante. Les beuglements sauvages ou les cris stridents si personnels au monde du Hard/Metal ne sont pas de mise ici. La voix est toujours bien placée, les ch?urs impeccables et les mélodies savoureuses.

Bon, le Rock FM à la Bon Jovi, Foreigner, ou Survivor est bien loin. Cet album est vraiment à écouter pour sa perfection, son équilibre fragile entre gros tube commercial et chef d’?uvre de mélodies. Tout ici est au service de la musicalité.

Les titres comme “Emergency”, “Heart On The Wing”, “Sent By Heaven” et surtout “Circle Of Dawn” sont vraiment imparables. Pour finir j’ajouterais que certains chorus de guitare sont tout bonnement enchanteurs… Entre Mickael Schenker et Uli Roth.

Seul petit bémol, parfois on est assaillit par les bons sentiments (”Love Will Live“), mais Zeno, le guerrier de l’Amour, évite les pièges et les lourdeurs du genre.

Voilà l’ami ! Si tu penses que les allemands peuvent faire mieux que Ramstein et Tokio Hotel peut-être qu’un jour tu auras la chance (voir l’honneur) de tenir cet album entre tes mains et tu te diras sûrement que 1986, au fond, ce n’était pas tout à fait une année de merde. Comme quoi, tout arrive.

Mais l’album contient 2 énormes tubes : “Don’t look back” (avec ses guitares rageuses et dans une certaine mesure, symphoniques), et le spirituel “A Man I’ll Never Be” gorgé d’inspiration lyrique. Et oui, car Boston, sans faire dans le rock chrétien, est tourné vers le beau. Vers les valeurs essentielles de la vie. La compassion, l’amour et… la nature. Fervent défenseurs de la cause animale et écologique en général, ils sont investi d’une mission salvatrice. N’hésitant pas à mouiller le maillot, ils combattent le mal en offrant leurs voix à des associations comme le WWF ou Greenpeace. Ha ha ha… Tu ne t’attendais pas à celle-là, toi qui pollue la planète en laissant tourner ton moteur à l’arrêt ou en considérant que la terre est une grande poubelle. Et bien Boston arrive d’une autre planète et va nettoyer tout ça avec ses lasers positroniques. Et tu n’aura qu’à la fermer. Oups, je m’égare…

Comme je l’ai dis plus haut, ce disque est superbe du début à la fin et aucun titre ne se détache vraiment du lot. Ca respire la joie de vivre, l’amitié et le soleil d’été. Il est l’heure de se réveiller et de sortir les guitares. Le son Boston n’a pas d’équivalent.

“Don’t look back” est construit comme son prédécesseur dont il ne craint pas la comparaison. C’est propre, parfaitement exécuté et on en redemande.

Autant je trouvais les compositions de l’opus précédent sympathiques, autant sur ce coup là, la bande de Steve Walsh se surpasse. Nous sommes encore à l’époque du line-up original avec entre autre Robbie Steinhardt au violon et au chant, Rich Williams à la deuxième guitare et Dave Hope à la basse. Autant dire que ça tourne. 1977 c’est l’arrivée du punk et la dégringolade du rock progressif. Les super-groupes comme ELP, Yes, King Crimson ou Genesis commencent à ressentir le poids des ans. En gros, on peut considérer que les anglais ont fait leur temps et que l’Amérique se réveille. On assiste donc à un rock progressif plus mélodieux et souvent teinté de Hard. C’est le cas de Kansas qui allie avec intelligence la complexité des compositions et la beauté des mélodies. “Point Of Know Return” en est l’exemple le plus marquant. Il sera vendu à plus de 4 millions d’exemplaires sur le territoire américain.

“Point Of Know Return” ouvre le bal avec une production impeccable (l’album est sorti en remasterisé depuis), et un Steve Walsh au top. La voix un peu cassé et très expressive emporte l’auditeur. Etant sur un site d’inconditionnels du metal, il faut admettre qu’on en est assez loin. Mise à part quelques guitares acérées le reste est très symphonique… Justement, ça me permet de faire la transition sur le rock symphonique. Car Kansas est le créateur du genre. Avec le violon de Seinhardt omniprésent et les longues plages lyriques étoffées d’harmonies vocales. Ce titre est très représentatif du “style” Kansas et c’est le premier tube de l’album.

“Paradox” est dans la même veine alors que “The Spider” est une espèce de tournerie tentaculaire ou la guitare se mêle à l’orgue sur une rythmique progressive. Le très entraînant “Portrait (He Knew)” révèle un Steve Walsh flamboyant. Les guitares très rock, presque sudistes (à la Lynyrd Skynyrd) donnent une pèche incroyable à ce titre qui se termine sur une accélération rythmique toute en break. “Closet Chronicles”, d’une richesse incroyable s’écoute comme une symphonie. Le chorus syncopé de xylophone/violon/clavier qui débouche sur une guitare hachée et tendu est un régal.

“Dust In The Wind”, le succès planétaire (une des plus belle ballade de l’histoire) très acoustique montera à la sixième place dans les charts américains en 1978. Je passe volontairement sur certains titres mémorables car l’album est sans faille. “Nobody’s Home” qui parle d’une rencontre extraterrestre ou encore le symphonique “Hopelessly Human” sont des titres splendides. A noté le rock “Sparks Of The Tempest” chanté par Robbie Steinhardt/Steve Walsh que l’on pourrait définir comme un savant mélange de Deep Purple, Lynyrd Skynyrd et Pink Floyd pour le chorus aérien du milieu.

Avec “Point Of Know Return”, Kansas fait un peu la synthèse du gros rock, des belles mélodies et du progressif. Aussi proche des Beatles que de Genesis ou Lynyrd Skynyrd, cet album a un parfum de perfection. L’un de mes disques préférés tout styles confondus. A posséder pour obtenir mon respect (dont tout le monde se fout mais qui compte pour moi).

“Cygnus X-1 Book II” et une suite conceptuelle qui faisait la totalité de la première face à l’époque du vinyl. Elle raconte la fin de l’histoire commencée sur l’album précédent “A Farewell to Kings” ou nous suivions un personnage propulsé à l’intérieur d’un trou noir. Ici, Neil Peart (batteur et parolier) décris les conflits qui existent entre les deux Hémisphères du cerveau humain. Il s’inspire de la mythologie grec pour créer un parallèle entre l’évolution des religions et la dualité universel du bien et du mal. Toujours très influencé par la philosophe Ayne Rand, cette fable philosophique trouvera son équivalent social dans “The Trees“, un titre de référence de Rush. Dans celui-ci, c’est la lutte fratricide qui sévit entre les chênes et les érables qui sera le sujet central. Les uns cachant la lumière des autres, personnifiera la lutte des classes dans les sociétés humaines. Mais la conclusion viendra du bûcheron qui abattra tout ces arbres dans une justice divinement concrète. Egalité pour tous !

Venons-en à la musique. Toujours au top, le trio se surpasse ici. Chacun apporte un équilibre indispensable à la cohésion du son. La guitare tantôt en arpèges tantôt en accords et aussi aérienne que puissante. La batterie est incroyable. Les contretemps sont légions et la finesse des rythmes fera bien des émules, Mike Portnoy (Dream Theater) en est un exemple. La basse est d’une précision parfaite. A ce stade, Rush n’a plus d’autre alternative que d’écrire un titre instrumental MONUMENTAL : “La Villa Strangiato”. Prévu originellement pour durer 40 minutes, celui-ci sera raccourcit sous les pressions de la maison de disque. Ca n’empêche que ce morceau est INCONTOURNABLE pour tout amateur de rock. On comprend grâce à lui toute l’évolution d’un pan du Metal prog et technique. En 1978, Rush était déjà capable de rivaliser avec ce qui se fait de mieux 30 ans plus tard. Alors ? C’est quoi avoir la classe ?

C’est sur la tournée “Hemispheres Tour” que Rush annoncera son premier passage en France. Malheureusement la date sera annulée suite à l’incendie de la salle. Etonné ? Non pas vraiment car encore aujourd’hui de nombreux groupes passent partout en Europe sauf dans notre beau pays qui est tout sauf Rock & roll. Le trio jouera notamment avec Toto, Saxon, Pat Travers, UFO, Blackfoot… Pendant la tournée Alex Lifeson (guitare) étudiera des manuels de pilotage d’avion et il obtiendra sa licence. L’album sera certifié disque de platine (1 million d’albums vendus).

“Hemispheres” est un OVNI dans le petit monde du rock, tout comme Rush à cette période de sa carrière. Ils nous offrent ici un disque si personnel qu’on ne peut citer aucune référence musicale proche de cette production à part eux-même. On ne dit pas “Rush ressemble à tel groupe” mais : “Tel groupe ressemble à Rush“. Aucun doute qu’avec un album pareil, le trio parvient à se hisser au rang d’artiste. Tout le monde ne peut pas en dire autant. C’est la grande classe quoi !

Ouverture majestueuse sur “Toughest In Town” bien entraînant pour se chauffer les tympans. Phyl Lynott expressif avec sa voix chaude et rocailleuse a la flamme. “Got To Give It Up” et ses guitares en tierces (spécialité du groupe) marque par son couplet et sa rythmique précise. Lynott y parle de sa dépendance à l’alcool. La reprise de “Sarah” très réussi est certainement la meilleur version de cette fabuleuse ballade pleine de tendresse.

On attaque enfin le titre épique “Robin Duh (Black Rose)” aux inspirations irlandaises. Le long chorus de guitare m’a scotché à l’époque. En entendant ça on ne peut s’empêcher de penser que des groupes comme Iron Maiden ont su exploiter le filon. Si tu aimes chevaucher les landes froides des pays nordiques sur ton fier destrier, enfourche ta monture et parcours ces vastes plaines. La conquête du royaume est à porté de main. Un des titres incontournable du groupe.

Enfin “Waiting For Alibi” (mon préféré) est une chansons parfaite au couplet entraînant et au refrain accrocheur. Il résume très bien mon état d’esprit de l’époque et l’enchaînement avec l’anarchisant “Do Anything You Want To” est une réussite.

Les autres titres sont tout autant réussi, entre le funky “S & M” et le joyeux “Get Out Of Here” on ne s’ennuie pas une seconde. La tournée qui suivra annoncera la décadence du groupe et on verra que le meilleurs est passé. Mais avec cet album, Thin Lizzy signe une ?uvre majeure dans le petit monde du hard Rock.

Album sans prétention, “Black Rose” restera un des disques de référence du genre. L’ambiance intimiste, les textes personnels fait d’offrandes et de partage ouvrent l’esprit de l’auditeur sur la vision du monde de Phil Lynott. Un monde humain avec ses qualités et ses défauts construit autour d’un rêve d’intégrité et de tendresse. Le genre d’univers que l’on n’oublie pas. Phyl Lynott restera dans nos coeurs.

“Any Way You Want It” super tube ensoleillé et gaie ouvre l’album avec toute la bonne humeur que l’on croyait en perdition. Comme on ne change pas une bonne formule, le blues “Walk Like A Lady” ou Neal Schon à la guitare fait des merveilles, perpétue la tradition en plongeant dans les racines de notre musique préférée.

“People And Places” basé sur les harmonies vocales possède une ligne de chant magnifique. C’est donc au tour de Steve Perry de montrer qui est le maître (c’est ici qu’intervient ma deuxième prosternation… le meilleurs reste à pourtant à venir). Le country/Folk “Precious Time” et son harmonica maintient cet esprit positif qui semble persister durant tout l’album. Entre les rock “Where Were You” (au riff de fin terrible), “Line On Fire” et les slow “I’m Crying” (très 70’s), ou “Stay Awhile” à la superbe mélodie, on trouve 2 joyaux : “Good Morning Girl” et “Little Girl”. Le premier est un peu dans le même esprit que “Who Wants To Live Forever” de Queen… En moins sirupeux. Le deuxième et à mon avis l’incontournable de l’album. Steve Perry y est boulversant. Enorme titre gorgé de tendresse qui évite de tomber dans le pathos. (Ultime prosternation devant The Voice / Steve Perry).

“Departure” est à mon avis l’album de Journey le plus inspiré et le plus varié. A écouter de toute urgence par les amateurs de rock bien léché (c’est le rock qui est bien léché… Pas les amateurs… Espèces de petits obsédés). Un must !

Ca veut dire Warning en français. C’est pas mal pour attirer l’attention justement. On voit grâce à cette petite démonstration qu’on a à faire à des malins. C’est en 1981 que le groupe sort son premier disque. Et quel disque ! Doudiou ! Oublions les Satan Jockers, les ADX, les Vulcains et consorts. Pour moi Warning fait parti du trio de tête du Hard français avec Trust et Sortilège. Chacun des ces trois groupes a un univers bien à lui. Trust fait dans le civisme (c’était nécessaire sous Giscard), Sortilège préfère les vieilles contrées ensorcelées, quand à Warning, ils nous parlent du quotidien… De notre quotidien de Hard Rocker, et ça fait du bien.

Premier constat, le Hard Rocker des années 80 rêve encore d’Amérique. L’album s’ouvre donc sur “Going To USA”. Ce qui marque d’entrée c’est le son incroyable. Une guitare tranchante soutenue par une section rythmique infaillible. La production énorme pour l’époque (je ne connais aucun autre groupe de Hard français des 80’s ayant une production pareil), met en valeur l’excellente voix de Raphael Garrido qui restera LA référence. On découvre également que les frenchies maîtrisent la guitare en nous assenant 2 chorus magnifiques. Celui qui clôture le titre est d’une précision chirurgicale. Ca commence fort !

“Ciné regard” enfonce le clou avec son Hard mélodique et pêchu en même temps. Raphaël envoit et le chorus de guitare à la manière de Thin Lizzy fait mouche. Après cette entrée en matière on croit avoir tout entendu mais il reste encore 2 incontournables à découvrir.

“Tel Que Tu L’Imaginais (Leidsplein)” est un hommage aux maîtres Led Zeppelin. Un slow splendide à la mélodie aérienne nous fait décoller doucement vers les hautes sphères de la perfection. Encore une fois la voix et la guitare se mélangent et peu de groupe français peuvent se targuer d’avoir de tels musiciens. Enfin “Satan Relaps” est le premier titre de Hard/reggae que j’ai entendu. Le texte est énigmatique comme tout les autres (très bien écrit en général).

Extrait de “Going To USA” :

“Il m’arrive parfois, de regarder les icebergs

Qui voguent à travers, les mers du nord.

Et je pense à toi, ma jolie fille de Norvège

Brune comme les abîmes, blonde comme l’aurore.”

Enorme surprise donc que cet album méconnu qui contient au moins 4 titres incontournables pour les amateurs de Hard/Metal francophone. A écouter au moins une fois avant de décréter que seul Trust avait du potentiel à l’époque. Je tire donc mon chapeau à ces lascars qui me font encore triper plus de 20 ans après. Bravo les mecs !

A noter que le CD vient d’être réédité en version remasterisé avec un feuillet très sympa. Précipitez-vous car comme d’habitude en France, il n’y en aura pas pour tout le monde.