7ème album de Marduk

Il y a des albums qui demandent parfois beaucoup d’écoutes avant de pouvoir faire sa propre opinion? et il en faudra encore plus pour pouvoir écrire une chronique pertinente, objective et universelle. La création artistique, qui n’est autre que le propre de l’homme, demande un « décorticage » complet pour comprendre les émotions que la musique lui procure.

Là où la musique touche l’espèce humaine, et uniquement elle, sur ce qui fait son authenticité et son caractère unique, Panzer Division Marduk touchera plus l’instinct humain, ce côté destructeur, cette violence et cette puissance (de même) on ne peut plus spécifique à l’être humain.

Je vais être franc ; à l’instant où je fais ma chronique, je n’ai eu besoin d’écouter l’album qu’UNE seule fois.

Pour nous plonger dans leur ambiance, Marduk (sur les pistes Panzer, Baptism by Fire, Best of Prey et 502) commence ses titres par des scènes de guerres à coups de canons, de bombes et nous traumatise par des bruits perçants d’avions en vol, des « Feuer !» criés par des nazis et des hurlements de douleurs.

Tout de suite, l’atmosphère en 10 secondes est posée, jusqu’à ce qu’arrive la déferlante Marduk. On rentre dans le feu de l’action : batterie on ne peut plus « black » avec une synchronisation destructrice de la caisse claire, cymbale charleston et grosse caisse (à se demander si la rythmique peut être tenue en Live), chant non criard de la même trempe qu’Immortal mais plus sombre, plus présent dans leur musique et plus puissant. Les cordes de la guitare sont frottées à grande vitesse (riffs et mélodies) et les accords sont la plupart du temps très bien choisis pour créer des sensations de peur, de panique et fera ressortir en vous (vous êtes métalleux n’est-ce pas ?) un besoin, que dis-je, une dépendance à la brutalité et à la puissance? cette symbiose forme une musique apocalyptique, puissante, malsaine? mais on en redemande et on prend plaisir à se plonger dans ce chaos.

Les points faibles. Le plus flagrant, et tout le monde sera d’accord là-dessus, est la rythmique de batterie.

Certes, elle est très efficace et dominante pour créer cette puissance, mais il existe quand même d’autres plans rythmiques pour créer cette atmosphère (le batteur n’a jamais de tendinite en Live ?). Sûrement beaucoup d’auditeurs lâcheront l’album en court de route à cause de cette rythmique omniprésente. On pourrait reprocher au guitariste, peut-être, de ne pas aller plus loin dans ses compositions mais soyons réaliste ; il est tout seul dans l’histoire avec un chant prédominant qui ne lui laisse que peu de place? et il doit en même temps pouvoir suivre cette puissance imposée par la batterie. Ces fûts sont sûrement le point décisif qui empêche le groupe d’expérimenter un peu plus leur musique? Enfin, on ne va pas se mentir, c’est tout de même le choix du groupe d’avoir choisi cette voie mais l’intérêt de l’album dans la durée restera limité.

En conclusion, Panzer Division Marduk est une réussite sans être un grand album (et qui ne demande pas forcément de temps d’adaptation, ni de réflexion). Les émotions sont là, simples, vous donneront tout de suite quelques frissons et vous les vivrez sans avoir à chercher quoique ce soit : la peur est instinctuelle autant que la bestialité et le besoin de puissance. L’album est uniforme (sans être trop répétitif car le guitariste ne reste heureusement pas dans le même jeu et contribue en grande partie à la réussite de l’album). Mais il aura beau garder notre accroche, l’album, de par sa faible expérimentation, ne pourra se permettre un séjour tros long dans nos lecteur CD !!!

3ème album pour le combo Dragonforce. Compte à rebours sur la pochette avant l’explosion « Inhumain Rampage » qui porte on ne peut mieux son nom. Alors, préparez bien vos cervicales avant de mettre le CD en lecture parce que ça va allez très très vite.

Ce qui est sûr chez Dragonforce, c’est qu’on a pas affaire à des amateurs : batterie survoltée menant une rythmique à coups de double pédale et de descentes de fûts à couper le souffle. Le chanteur officie toujours (quoiqu’un poil plus bas comparé aux albums précédents) dans un chant à voix de poitrine haut et puissant. Le claviériste obtient une place plus « électronique » au sein du groupe?et c’est pour le moins réussi : des sons vraiment novateurs, originaux et très adaptés aux musiques viennent compléter les titres, ce qui donne parfois aux titres une toute autre dimension émotionnelle (?amplifiée bien sûr !)

Mais ce qui fait la force de cet album est le talent de Herman Li, véritable meneur instrumental du groupe : quand il n’enchaine pas ses riffs lourds à la vitesse de la double pédale, c’est pour sortir une mélodie à haute fréquence rythmique. Les solos sont tous simplement divins et le point majeur de la réussite (?) de l’album : linéarité (…hormis quelques solos qui ne l’ont pas), émotions et technicité sont les maîtres mots des ?uvres instrumentales d’Herman et de Sam.

Un album qui recèle donc de nombreuses qualités !!!

Alors, 19/20 ???

Non, il y a quand même des choses gênantes :

D’abord petite parenthèse sur les Live ; comme on peut s’y attendre, le résultat n’est pas vraiment au rendez-vous ; pas de problèmes concernant batterie basse et synthé? par contre, à vouloir chanter trop haut et jouer trop vite, les guitaristes et le chanteur ne peuvent assurer parfaitement leurs performances en concert, d’autant que les sonorités de guitares réalisées en studios ne peuvent être assurées à l’identique en Live, et que même 1 ton plus bas, ZP Theart a vraiment beaucoup de mal à chanter Through the Fire and the Flames.

Conséquence : beaucoup de fans sont assez déçus des prestations Live de Dragonforce et c’est assez regrettable qu’un groupe ne puisse pas “bien” jouer ses compositions !!!

Revenons à l’album : quand on écoute Inhuman Rampage et que l’on connaît quelque peu Dragonforce, on sent qu’il y a un truc qui cloche. Pour ceux qui ne le connaisse pas, je vous renvois à l’album Valley Of The Damned, 1er album du groupe : écoutez le et vous comprendrez? maintenant pour ceux qui ne le connaisse pas?

Il y a quand même un manque d’inspiration chez Dragonforce : ça peut vous étonner et pourtant? The Flame of Youth semble être le morceau énergique le plus faible de l’album, assez banal et sans réelle accroche (si ce n’est l’originalité du solo qui ne sauve pas pour autant l’âme du morceau mais qui est vraiment remarquable encore une fois) ; Trail of Broken, ballade ridicule comparée à Startfire, et Hearts Revolution Deathsquad, hormis son incroyable solo ne montre aucun réel engouement (mélodie assez fade), et nous ressort les suites d’accords (à une autre tonalité) du couplet de Valley Of The Damned, comme on peut l’entendre aussi sur TFOY, sur le couplet de Heroes of our Times (à l’envers…et à l’endroit) premier titre de leur prochain album, ou au début de Revelations(cette fameuse gradation de 2 tons et d’1 ton en dessous de la tonalité pour la retrouver ensuite qui fait fureur et clôt souvent les fins de plans mélodiques de Dragonforce ! (tierce mineure et seconde majeure pour être exact))

…et j’en oublie?

Alors pourquoi je parle vous de ça ? Parce que, si ce n’est pas évident à voir au premier abord, d’une part les changements de tonalités entre les morceaux et d’autre les légères nuances pour tromper tout ça, il est indéniable que Dragonforce reprend très souvent des suites d’accord ou plans mélodiques qui passent bien et qui font succès auprès du public? Dragonforce en use énormément. Mais quel est le problème ???

La réponse est dans les commentaires des métalleux réticents et qui ont raison de l’être, « c’est du remplissage » - « Dragonforce, ça saoule à force » - « les morceaux n’ont pas d’âme » ou encore, « c’est toujours la même chose »? et c’est en partie vrai !!!

Dragonforce réutilise volontiers les « trucs qui marchent bien » et c’est LÀ qu’est le manque d’inspiration, dans les couplets et les refrains qui parfois paraissent soit vides (les 3 morceaux de IR que j’ai cité antérieurement), soit déjà entendus? d’autant plus que la structure des musiques ne change quasiment jamais : intro mélodique à la guitare, couplet, refrain, couplet, refrain, très long solo refrain et fin mélodique à la guitare? toujours la même chose en 3 albums :

Si l’on additionne le tout, il ressortira de leurs musique comme une sorte de redondance fort désagréable.

Par contre il est faux est de prétendre que les solos de Herman Li et de Sam(et sa musique en général) vont trop vite et paraissent plus comme du bourrage de crâne de notes?

FAUX,(et j’avoue avoir pensé la même au début, peut-être à défaut de voir les vraies faiblesses de l’album) car ce sont les solos qui sauvent IR : bien que ces gars soient en réel compétition avec le chronomètre (ce qui n’est pas forcément malin, je vous l’accorde, mais on ne retrouvera cette vitesse que dans peu de groupes), ces solos sont très souvent le fil conducteur de la musique (paradoxe le plus complet quand on sait qu’il est souvent plus facile de donner un sens à une musique avec les couplets et le refrain qu’avec de l’instrumental pure). Le solo de Revolution Deathsquad est tout simplement une ?uvre de 3 minutes, celui de cry for éternity vous propulsera dans une réel voyage spatial à travers l’apesanteur et une tempête de météorites et les autres sont remplis d’émotions les plus pures et touchantes? je sais, tout ça est un peu subjectif, mais c’est pour vous montrer que l’on ne peut rester insensible aux perles d’Herman Li et de Sam.

Au final, l’album comporte quand même de très bonnes musiques ; TTFATF n’est pas devenu si connu par hasard (bon d’accord, sa parution dans Guitar Hero a joué pour beaucoup.)

Néanmoins, Dragonforce « piège » son auditoire ; les plans mélodiques « passe-partout » ou répétitifs parfois sont beaucoup trop présents et la structure musicale identique de titre en titre commence à vraiment devenir lassante ce qui fait de IR un album prévisible et manquant d’originalité sur la forme…mais uniquement sur la forme car le potentiel, le talent et les innovations (car vous ferai sûrement beaucoup de découvertes à l’écoute de cet album) sont là et Inhuman Rampage est, malgré tout, un bon album. Mais ce qui est sur, c’est que Dragonforce est dorénavant en « perte de vitesse ».

1er album de Xe-none. Groupe assez atypique car il allie Dance et Métal : 2 styles aux antipodes de la musique ;

- d’un côté, le métal ou l’on trouve des “musiciens”, souvent prodiges de la batterie, basse ou guitare mais assez renfermés sur les sonorités de ces 3 instruments,

- et de l’autre, la Dance, qui possède sûrement la plus grande diversité sonore et atmosphérique mais dont les « Dj » qui la « fabrique » ne sont en général jamais musiciens (? et surtout le fait que la Dance n’est pas INSTRUMENTALE)

La vraie question est : existe-il un groupe dans ce monde un groupe qui puisse allier la puissance de la Dance et du Metal ?…de créer des musiques avec la violence des guitares, la force et la vélocité de la batterie (où les « basses » véloces de la Dance seraient remplacées par une double pédale mitraillante et rapide comme l’éclair) et en même temps, des sons de synthétiseur qui puissent d’une part être joués (car c’est la base de la musique et étant métalleux, on ne peut qu’être puriste de ce point de vue) et offrir des atmosphères nouvelles dignes des plus grands groupes Dance des années ‘90 (… et pourquoi pas, dignes des grands noms de l’électro comme Vangelis) ?

Réponse : A ma connaissance, non? mais?

? Il existe un groupe qui a tenté le pari. Les pays de l’Europe de l’Est, à l’inverse de nous, sont très restés branchés sur la Dance. Et c’est en Russie que l’on voit apparaître Xe-none, groupe mélangeant des sonorités électro et une voix féminine claire (on ne peut plus typique de la Dance d’antant) à une guitare, basse et batterie (avec double pédale svp) et une voix rauque.

Alors pari réussi ? à vrai dire, non !

D’abord, lorsqu’on écoute Xe-none, on voit tout de suite qu’on a affaire à un groupe beaucoup plus tourné vers la Dance que le Métal :

le Synthé obtient incontestablement la place dominante tandis que le batteur et le guitariste, qui semblent pourtant loin d’être dénués de talent, sont mis très en retrait. Les musiques, en elles-mêmes, sont plus construites sur des passages mélodiques accrocheurs (à l’image de la Dance) que sur une technicité qui n’est expérimentée ni au synthé, ni à la guitare. Vous comprendrez donc bien qu’il est difficile de parler d’alliance entre Dance et Métal (seul BloodRave allie assez bien les 2 styles).

Résultat : l’atmosphère régnante dans la musique de XN est beaucoup trop empreinte à la Dance (si bien qu’on ne voit pas vraiment le côté métal de ce groupe).

Concernant les voix, on se dit qu’il y a vraiment un gros travail à faire : la voix rauque est quasi-insupportable et celle de la chanteuse est vraiment loin d’être au point. On reprochera de même au claviériste d’utiliser des sons qui nous retournent tout droit 15 ans en arrière au lieu de chercher de nouvelles sonorités (même si l’on trouve des passages mélodiques intéressants sur Blood Rave, No Limit ou Decay Dance). On regrettera aussi l’utilisation des passages électro pré-enregistrés qui dénature un peu le côté instrumental que recherche le groupe.

Mais malgré tout, ça tourne ! Bien que certaines musiques soient assez répétitives (No limit), on s’étonnera que ces morceaux Dance puissent être « joués » par un “groupe” de 6 personnes.

On va donc dire que Xe-none est une toute petite révolution !

Certes, ce n’est pas un bon album Métal (j’entends bien), et il reste beaucoup de progrès à faire avant de pouvoir vraiment créer un nouveau genre « Dance Metal ». Mais, en tout cas, ils ont tenté et laissent entrevoir de nouvelles perspectives, des idées novatrices, une petite touche d’originalité dans le monde du Métal? en espérant simplement que d’autres groupes relèvent le défi? à suivre !

4ème album des néerlandais. Après le très bon « The Silent Force », ils reviennent avec The Heart Of Everything.

La première chose qui attire l’oeil, c’est la pochette du CD. Etrange, assez mystique, reflèterai-t-elle un message transmis par le groupe pour cet album ??? D’abord l’image de couverture : Sharon, en robe blanche avec les yeux bandés, est assise sur une chaise qui fait office de trône, tenant dans la main droite des pendentifs et colliers relatifs aux religions et de l’autre, une colombe en train de prendre son envol dans un ciel ténébreux.

Le bandage des yeux révèle ce que chaque être humain possède mais que l’on ne voit pas : l’âme ; Celle-ci sur un trône, faisant balancier entre religion et/ou continuité avec la paix, la vie et un envol?Vers la paradis ou descente aux enfer ???

Le c?ur de tout ou l’amour que l’on peut porter à la vie comme celui qu’on peut porter à l’au-delà, comme un lien entre l’homme et la religion, dans le bien comme dans le mal : l’amour et la guerre comme la foi et le sacrifice.

Et bien c’est un peu ça THOE ; un album aux paroles très imprégnées de croyances, de réflexion sur la vie et d’amour (on retrouvera souvent des mots tels que le pardon, le sacrifice, la verité?) mais aussi des musiques avec plus de caractère, parlant de la guerre ou de la colère (à l’image de The Howling et What Have You Done).(NB : on peut voir, sur le petit livret, les visages des membres du groupe qui laissent transparaître à travers leur regard une étonnante humanité, et en même temps, ceux-ci posent sur une photo en véritables soldats du feu.)

Mais trêve d’analyse, parlons un peu musique.

Sur l’ensemble, on peut remarquer que l’album perd en brutalité et nous offre plus de « power ballades ». Concernant le chant (point qui a fait beaucoup débat), Sharon, au grand désespoir de beaucoup de fans, fait usage sur l’ensemble de l’album d’une voix plus grave, empruntant ainsi parfois un chant plus « guerrier », avec plus de caractère. Bonne ou mauvaise chose ? En fait un peu des deux.

Ce qui est certain, c’est que sur des morceaux comme «The Heart Of Everything» ou «Final Destination» (où elle utilise une voix grave comme jamais auparavant), ça ne marche pas !

Les syllabes paraissent mâchées, la voix a sûrement (sans que j’y mette ma main à couper) été modifié lors de l’enregistrement, ce qui dénature complètement son timbre? mais le plus gênant est que, dès que sa voix «s’assombrie», les mélodies n’accrochent pas l’auditeur. On sent qu’elle n’est pas à l’aise dans ce registre?ce ne sera pas faute d’avoir tenté l’originalité mais les mélodies dans les aiguë de Mother Earth paraissent très loin.

Il y a quand même un point positif, et de taille : Sharon va faire preuve sur cet album d’un peu plus (je dirais) de « sincérité » concernant sa voix? fini les marmonnements (si j’ose dire) en voix de tête, faisant croire une certaine puissance. Fini les enregistrements en une fois d’une note aiguë intenable (sauf quelques secondes) en voix de poitrine. Observez et écoutez simplement « Ice Queen » du Silent Force Tour et dites-moi si vous ressentez autant de puissance que sur le CD. Cette fois-ci, Sharon place sa voix de tête et de poitrine là où c’est nécessaire et là où elle le peut? Elle va placer sa voix de tête sur les morceaux touchants comme “The Truth Beneath the Rose” ou “Forgiven?” et sa voix de poitrine sur les morceaux énergiques et coléreux tel que «The Howling» et «What Have You Done» ; les refrains de ces 2 dernières ne contiennent d’ailleurs aucune note en voix de tête.

Conséquences : vous prenez ces musiques en plein c?ur !!! Autant TTBTR vous touchera par sa tristesse, ce sentiment d’accablement, de souffrance et de résignation? jusqu’à ce que Sharon laisse éclater sa voix de poitrine (là encore, très bien placée) par « Forgive me my sins », autant The Howling and WHYD (et c’est là qu’est la nouveauté !!!), les 2 morceaux les plus puissants de l’albums, feront ressurgir en vous votre côté métalleux et où la puissance vocale de Sharon (jamais antérieurement poussée à ce niveau) vous sidèrera sur place par un « Why ?» ou un « Killing !!!», hurlé en voix de poitrine.

Je le redis, ces morceaux sont bien loin des musiques de Mother Earth, mais là où Sharon (avant) jouait la carte de la douceur mélodique avec un brin de punch, elle met désormais dans sa voix (et dans la musique du groupe) une réelle puissance qu’on ressent enfin (Stand My Ground en était sûrement l’origine). Concernant la partie instrumentale de ces 3 musiques, toujours pas de prouesses de la part des membres du groupe mais un orchestre symphonique (à la fois apocalyptique sur The Howling et émouvant sur TTBTR), qui est très présent et qui fait la force de ces titres ; le duo avec Keith Caputo est très bien pensé? et enfin, on retrouve avec joie ces mélodies touchantes dont le groupe a l’habitude de nous faire part.

Mais voilà? seulement 3 morceaux de qualité sur 11 c’est vraiment très peu ! (j’omets le rock mix de « What Have You Done » qui est un peu ridicule : quel message voulait faire passer le groupe avec ce morceau ? « On est capable de jouer sans orchestre symphonique et faire des bonnes musiques » ? Faites-vous votre opinion).

WT part souvent sur des terrains inconnus et essaye sur Our Solemn Hour, THOE et The Cross d’intégrer un petit côté « mystique »? raté ! C’est peut-être original mais ça marche pas. Le plus terrible est qu’on sens une réelle panne d’inspiration sur l’album? jusqu’à penser que le groupe arrive à la fin ?

J’ose dire peut-être : soyons francs ! Frozen, dont le refrain est vraiment trop proche de celui de WHYD, est sans surprise. The Heart Of Everything montre un agréable refrain? mais la voix de Sharon perd son charme lors des couplets. Et Hand of Sorrow, dernière rescapée des titres « phares » de l’album utilisant beaucoup de parties symphoniques, n’arrive tout de même pas à la cheville des titres de Mother Earth ou Silent Force. Hormis ces deux derniers, rien d’extraordinaire. Un peu de piano avec la voix succulente de Sharon sur Forgiven…et tout se termine !

Aïe Aïe Aïe ! C’est ce qu’on se dit dès que le CD se termine. Même si l’on peut admettre que The Howling, What Have You Done et The Truth beneath the Rose soient de vraies réussites (et fassent probablement partie des meilleurs réalisations du groupe), même si l’on peut souligner l’effort de Sharon à utiliser de façon plus adaptée sa voix (quitte à descendre de quelques tons et perdre des fans de la 1ère heure), le manque d’inspiration l’emporte très largement.

Alors que sera WT à l’avenir et resteront-ils en course ?

Je crois que personne ne peut répondre à cela. The Heart Of Everything est un album d’incertitudes, d’incompréhensions parfois mais non d’irrémédiabilité.

9ème album des Horsemen. Il fut sûrement un des album qui fit le plus parler de lui dans le monde du Métal et le plus mal aimé des fans de Metallica !

Resituons-nous dans le contexte de 2003 : Metallica ; 20 ans de carrière dont des albums pour le moins mythiques (comme le « Black Album », le CD de métal le plus vendu au monde, ou la perle qu’est Master of Puppets), avec des membres dorénavant quarantenaires, des albums qui convainc de moins en moins, le départ de Newsted, la pub de Lars contre le serveur Napster, et surtout le départ de James pour soigner son problème d’alcoolisme et engendrant sa dépression?et quand St Anger arrive dans les bacs, la colère des fans de voir leur style musical complètement transformé et un son qui écorche les oreilles dès la première écoute. Résultat : St Anger se place en bas de la pile de Cd ou est jeté par terre pour mieux fracasser la boîte à coups de pieds !

Stop ! Enlevons tout ce qui entoure St Anger pour passer à la chronique d’un simple album.

St Anger c’est 11 musiques et 75 minutes de son?faites le calcul et vous verrez que la moyenne est d’environ 7 minutes par musique :-S?c’est pour le moins assez long ; un défaut de cet album est le fait que les plans se répètent souvent au sein des musiques ; il suffit d’écouter « St Anger » pour comprendre. Ca ne fait pas de St Anger un mauvais album mais disons que le groupe aurait pu condenser chaque musique pour faire un album plus facile d’écoute et sans longueurs (altérant la qualité des musiques).

Passons au son : on ne peut nier que la production laisse à désirer : plus on augmente le volume et plus le brouhaha se fait sentir. Le son rebutera beaucoup de fans(caisse clair façon « garage » et guitares au son très gras qui prend souvent le dessus sur la double pédale). Néanmoins après l’avoir passé plusieurs fois, vous verrez que l’écoute n’est pas si difficile qu’elle en a l’air : il faut laisser le temps de le dompter.

Concernant leurs musiques, on peut dire que les années ‘90 sont belles et bien terminées !!! Le quatuor Black Album, Load, ReLoad et Garage Inc est très loin dorénavant ! On assiste là à un retour plus « trash » (bien que l’album n’en soit pas) : le groupe a laissé tombé les solos de Kirk pour se tourner vers des riffs lourds et accrocheurs. Le morceau Some Kind of Monster est le plus significatif? et ça marche ! Même si l’on peut concevoir un vide dans certains morceaux dû à l’absence de solos et la répétition des plans, on ne peut nier que ces derniers ne vous laisseront pas indifférents et que le groupe, sur l’ensemble de l’album, a eu une énorme inspiration, que ce soit dans l’enchaînement des différents accords ou le jeu de batterie très bon de Lars (qui nous fait part de bon nombre de nouveautés rythmiques) : des morceaux comme Sweat Amber, My World (sûrement les 2 meilleurs de l’album) de par leur originalité, leur richesse et leur accroche, sont à écouter d’urgence?on y découvre un genre nouveau et un Metallica bien moins sombre. Purify vous entrainera sans problème (bien que le refrain mette assez mal à l’aise), Invisible Kid vous étonnera de part son côté bon enfant et entrainant?malgré cela, les 8 minutes 30 sont pour le moins dures à supporter. St Anger et SKOM sont incroyablement imprégnées de la dépression d’Hetfield,?elles laissent une atmosphère très particulière derrière elles, comme un mélange de mal-être et de haine sur SKOM et de tristesse, de colère et de résignation sur St Anger. Le chant de James tout au long de l’album transpire de cette colère?néanmoins, il est parfois très imparfait notamment sur quelques passages de Purify et All within my hands.

Au final, on se rend compte, après plusieurs écoutes, que la force de St Anger est avant tout dans l’atmosphère des musiques. Ceci dit, il est clair qu’il n’est pas facile à comprendre, car cet album va puiser ses ressources dans diverses influences musicales très différentes (il suffit d’écouter Frantic, SKOM, Invisible Kid et Sweet Amber pour voir cette diversité). L’expérimentation va quand même parfois trop loin ; Dirty Windows se démarque trop de l’album de part son style et parait être le titre le plus faible. The Unamed Feeling vous surprendra mais est loin d’être inintéressante et All Within My Hands prend des allures d’expérimental mais ne convainc pas(malgré quelques bon éléments).

Pour résumer St Anger a lui seul crée un genre nouveau et il serait dommage que le style ne perdure pas à travers d’autres groupes. Alors bien sûr au premier abord, St Anger est loin d’être l’album que les fans attendaient : difficulté d’écoute dû à l’enregistrement, longueur excessive de l’album et style musical encore changeant. Et pourtant c’est une réalisation vraiment très inspirée et assez recherchée : le retour en force de Lars, l’efficacité des breaks et les enchaînement des accords de guitare suffisent à faire de St Anger un album vivant.

Metallica est-il mort ?…Non, pour peu qu’ils pensent à leur musique avant leur fric :-S.

2ème DVD live de Nightwish.

Nous sommes le 21/10/2005. Nightwish nous livre un Live au Hartwall Arena à Helsinki en Finlande, dEvant 11500 fans, qui sera un des plus grands moments de son histoire.

Ce cOncert est le dernier de la tournée Once Upon A Tour (après 1an ½ de représentations dans le monde entier).

Le documentaire “A Day Before Tomorow” relate les quinze derniers jours jusqu’au show d’Helsinki : à travers ce reportage, on sent que progressivement la fin de cette tournée approche et on y voit en même temps un groupe coupé en 2 : les 4 gars puis Tarja et son Manager (le malaise qui règne au sein du groupe peut se lire sur les visages).

21/10/2005, dernier jour avant que ne prenne fin cette tournée autour d’un album pour le moins merveilleux qu’a été Once ; un dernier cOncert pour résumer 1 an ½ passé à faire rêver leur fans dans le monde entier ; une dernière nuit, empreinte de magie, avant que le groupe ne soit à jamais séparé de Tarja, chanteuse et pièce maitresse du groupe qui ne se doute pas encore qu’elle livrera sur cette scène ses derniers instants avec Nightwish : dernier Live avant la Fin d’une Ère.

Et que pouvait-t-on trouver de mieux que “Dark Chest of Wonders” pour entrer dans le rêve ! 1er morceau du DVD qui nous plonge immédiatement dans le cOncert : le moins qu’on puisse dire, c’est que la production a été très soigné : son irréprochable et images impeccables avec de nombreux plans sur chaque musicien et effets visuelles rajoutés à la production du DVD? donc rien a redire ! Le cOncert en lui-même est rempli d’effets visuels? l’écran géant fait défiler des vidéos souvent très travaillés, notamment les images tribales de “Bless The Child“, la mer déchainée de “The Siren“, les flames du terrible “Slaying the Dreamer”, de douces photos des membres du groupes sur “Kuolema Tekee Taileilijan” et la magnifique nuit enneigée de “Sleeping Sun“. L’éclairage et la pyrotechnique sont magnifiquement utilisés et adaptés aux différentes musiques de Nightwish.

On a donc à faire à un cOncert haut en couleur : le groupe a vraiment misé gros sur ce DVD et c’est réussi !

Une véritable symbiose (et je ne pèse pas mes mots) opère entre le spectacle et la musique.

Les membres du groupes sont pour le moins très à l’aise ; Emppu court sur scène tout en enchainant ses riffs, Marco montre son humour et sa vivacité, et Tarja se vêtira d’une bonne demi-douzaine de robes durant le cOncert et fait preuve d’une expression scénique à couper le souffle : on est bien loin de Sharon de Within Temptation (je me demande d’ailleurs comment j’ose faire la comparaison) !!!

On sent que les membres du groupe se sentent bien sur scène et font monter ou calmer l’ambiance à leur bon vouloir de façon remarquable (le contraste le plus évident est l’enchaînement de la fin apocalyptique de “Slaying the Dreamer” et de la douceur de “Kuolema Tekee Taileilijan”).

Quand au chant, Marco nous dévoile ses talents incontestés de chanteur (”Planet Hell”, “Slaying the Dreamer”, “Wish I have an Angel“, “High Hopes”) et Tarja montre sa puissance vocale et sa maitrise du chant opératique. On regrettera peut être que son vibrato prenne trop d’amplitude (elle descend parfois carrément au ½ ton inférieur? Elle citera d’ailleurs, dans une lettre dédiée à ses fans, suite au message de Tuomas sur son éviction, qu’elle était malade le soir du cOncert)? mais quelle maitrise ! A la fin de “Phantom of the Opera”, elle tiendra une note « hyper » aiguë qui vous sidèrera sur place !!!

La tracklist du DVD est, comme on peut s’y attendre, en majeur partie occupée par l’album Once : 8 titres interprétés sur les 11 musiques de l’album. On ne retrouvera malheureusement pas un seul titre de Oceanborn mais, malgré tout, les titres ont été très bien choisis? si bien que l’on ne retrouvera sur ce DVD aucun morceau à jeter (et loin de là) !!! Chaque titre est très bien positionné pour alterner puissance et douceur. On retrouvera les énergiques “Planet Hell”, “Slaying the Dreamer” et “Wish I Had An Angel“, les mélodieuses “Creek Mary’s Blood” et “Kuolema Tekee Taileilijan”, les cultissimes “The Kinslayer”, “Wishmaster“, “Over the Hills” and Far Away”, “Bless The Child” et “Nemo“, mais aussi de veritables perles telles que la reprise de Pink Floyd de High Hopes avec Marco au chant, l’émouvant “Sleeping Sun” qui vous fera sûrement verser une petite larme et enfin “Ghost Love Score” (véritable merveille) !

Au final, ce DVD Live est une valeur sûre et montre la grandeur de Nightwish, un véritable petit bijou que tout fan de Nightwish devrait se procurer (? hormis peut-être ceux qui n’ont pas passé le cap Century Child ; dans ce cas, passez votre chemin !!).

La fin du Live est très émouvante mais je la laisse secrète : elle clôt avec larmes la fin de Nightwish avec notre chanteuse opératique préférée.

Merci Tarja.

6ème album de Nightwish avec l’arrivée de la nouvelle chanteuse Anette Olzon après l’éviction de Tarja Turunen

par l’ensemble du groupe. La première question qui vient à l’esprit de beaucoup de fans de Nightwish, c’est :”Est-ce-que Dark Passion Play sera encore meilleur que Once ?”, surtout quand on connait le budget colossal qu’a mis Nightwish dans cet album, tant au niveau de la production que de la médiatisation, et qu’on sait que l’album collector comprend un cd de l’ensemble de l’album en instrumental : “franchement, s’ils font ça, c’est que l’orchestre symphonique allié aux guitares et percussions doivent être d’une richesse incroyable !!!” Ca a été le rêve de beaucoup. Mais on sait que bien souvent, les meilleurs albums n’ont pas connu de suite aussi mémorable ! Une chose m’a beaucoup étonné avant même qu’Annette n’arrive : les membres du groupes avaient déjà écrit et enregistré toutes les parties instrumentales et la nouvelle arrivante n’avait plus qu’à enregistrer sa voix. Choix risqué ; même si on peut avoir un idée de la voix que l’on veut incorporer dans un groupe, celle-ci est tellement riche, et donc trop imprévisible.

Tant d’incertitudes, tant d’impatience à voir cet album sur les étalages jusqu’au moment où on l’achète…

Le rêve, l’extase a été d’exactement 2 minutes.

The Poet and the Pendulum commence : on peut entendre avec le synthé la voix de tête d’Annette, peut être une façon de dire qu’elle peut elle aussi avoir une voix lyrique :-D, en tout cas une voix sublime et elle le prouvera très souvent dans l’album (qu’elle va sauver d’ailleurs). Puis l’orchestre démarre,…quel son ! Ca va bien au delà de Once ; on trouve effectivement sur cet album un orchestre encore plus présent avec beaucoup plus de passages mélodiques. De même les sons électro sont remarquablement bien trouvés et intégrés aux musiques (Amaranth, Bye Bye Beautiful). Puis vient Nightwish avec une guitare lourde, efficace, rapide, très bien accordée à l’orchestre ; la double pédale arrive à son tour avec des choeurs…INCROYABLE, quelle puissance, quelle colère, jamais un son d’une telle qualité et d’une telle harmonie dans toute sa majestuosité ne fut enregistré auparavant…1′59″? et tout s’écroule. On passe à une rythmique de batterie basique seule avec quelques violons et la voix d’Anette inadaptée au couplet (de même sur 7 Days to the wolves).

Rassurez-vous, Anette hormis ces rares passages nous dévoile, dès son premier album de métal, et avec Nightwish, une voix magnifique et elle a su adapté son chant de façon remarquable au style musical du groupe malgré la contrainte du pré-enregistrement : je suis convaincu que pour le prochain album du groupe, Anette pourra faire bien mieux et nous surprendra. Mais bon on ne va pas se plaindre, surtout quand on entend sa facilité à monter dans les aïgus avec sa voix de poitrine ; c’est particulièrement flagrant sur Sahara et For the Heart I Once Had ; la qualité du chant en elle-même est exceptionnelle ; avec un vibrato très bien maitrisé et une voix qui peut être à la fois douce et touchante(Eva, Meadows of Heaven), claire(Bye Bye Beautiful) et d’une puissante incroyable( For the Heart I Once had) ; donc très polyvalente, à l’image de Nightwish. De même celle de Marco est au top.

Alors que peut-on en dire ?

Tout simplement qu’à part ces quelques points positifs, on ne retrouve pas Nightwish sur la majorité de l’album. Cruel manque d’inspiration si ce n’est que les musiques douces et tristes comme Meadows of Heaven et Eva soient agréables a écouter (Emppu sur cette dernière nous fait part d’un solo (dont la première note vous écorchera les tympans) des plus basiques et décEvant !!!). Aussi, on retrouve sur ce disque seulement 3 morceaux « métal » de qualité : Whoever Brings the Night, avec son atmosphère malsaine et ou Anette nous montre une voix assez sombre, Master Passion Greed, morceau très travaillé et d’une puissance remarquable (la voix de Marco est parfaite) et Sahara, musique fidèle à l’esprit de Nightwish ; très inspirée, difficile à chanter de part sa rythmique langoureuse et les montées brutales dans les aïgus, dotée d’une atmosphère faisant voyager le premier auditeur dans une nuit Saharienne ; on y retrouve le Nightwish de Once capable de nous transporter dans nos propres émotions?comme quoi le groupe n’a pas besoin de jouer trop vite ou trop compliqué pour nous gâter de perles !

Mais si l’on compte en plus le répétitif Last of the Wild, instrumentale bien médiocre comparée à bien d’autres (et ridicule à côté de « Moondance »),la musique irlandaise “The Islander” plaisante mais venant chargé un peu plus les « musiques calmes », les titres pop/rock/indus For the Heart I Once Had, Cadence of the Last Breath, 7 days to the Wolves assez « passe-partout » et dont on ne retiendra pas grand-chose côté originalité ou émotion (à noter que comme signalé dans une chronique précédente, on trouve parfois dans cet album un petit côté Within Temptation fort désagréable) ainsi que les 2/3 de Poet and the Pendulum pavés de calme, long et inutile, on s’aperçoit que l’album compte beaucoup de déchets couvrant une bonne partie du disque ! Bye Bye Beautiful(au refrain particulièrement faible qui gâche à lui seul le morceau) et Amaranth, au delà de leurs atmosphères baignées de magnifiques sons électro et de la voix si pure d’Anette, ne cachent pas le réel manque de travail de Emppu et Jukka…Amaranth passe assez bien malgré tout.

En clair sur 13 musiques, on note 3 musiques de qualités, 2 musiques qui passent (si je compte The Poet and the Pendulum, peu de bons éléments comparé à la longueur du morceau mais on retrouve des passages très intéressants et la structure musicale et émotionnelle est très recherchée, digne d’une pièce de théatre) et 2 musiques tristounettes qu’on écoutera sans se prendre la tête : en plus de cela 6 musiques qui n’ont rien à faire sur un album déjà très faible?et surchargé ; au final, 75 minutes, ce qui est beaucoup trop long. Nightwish ici nous délivre un album assez commercial (pour info, le Cd supplémentaire version orchestral de la version collector n’a strictement aucun intérêt)…et le pire dans tout ça, c’est qu’on peut pourtant constater de réelles innovations telles que l’incroyable capacité et diversité vocale de Anette et de Marco (ce dernier montant de plus en plus haut dans les aigus au fil des albums !) une production de grande qualité et des moments où le groupe s’accorde à merveille avec l’orchestre symphonique comme personne ne l’avait fait auparavant !

J’aimerais terminer sur un point particulièrement offensant de la part du groupe et que chacun pourra comprendre : les musiques faites à partir d’expériences personnelles sont en général très inspirées (c’est loin d’être un mal) mais sur cet album, les paroles de certaines musiques sont incroyablement centrées sur Nightwish ; je trouve très irrespectueux le fait d’avoir composé des musiques sur le thème du départ de Tarja sachant pertinemment la pub qui s’en suivrait ( franchement, Tarja doit se sentir un peu mal à l’aise dEvant toutes les critiques que le groupe a fait sur elle et surtout que ceux qui achètent l’album étaient ses (anciens) fans !) et que Tuomas ait eu la prétention de composer une musique à son « effigie » et se faire passer pour un poète et pauvre victime du monde. Que ce soit clair : la musique est universelle et cet état d’esprit est une insulte à la musique !

Deuxième album de LotD : aprés un “Malvolent Rapture” qui a surpris de par son Trash Death surpuissant, ses riffs incisifs et cette voix si particulière entre le rauque du death et le criard du black, les hollandais continuent dans leur lancée avec “Sons Of The Jackal“, toujours chez Massacre Record !!!

Pourquoi ce sourire ? Parce qu’une des grandes qualités de cet album est la production (encore meilleure que celle de MR), remarquablement adaptée à leur style musical et qui mise sur une double pédale dantesque et une guitare au son assez gras ; alors, autant dire que même si l’album fait 37 minutes, vous ne sortirez pas indemne si vous écoutez les 10 titres à la suite ; c’est éprouvant, mais alors quelle puissance ! D’autant que la double pédale est quasi-omniprésente et la guitare nous martèle de riffs !

Venons-en à la musique. On constate que le groupe (à part sur l’instrumentale) ne change pas la tonalité des titres…Grosse prise de risques, surtout qu’ils avaient fait de même sur “Malevolent Rapture“. De même, on ne trouve pas beaucoup de solos, le groupe reste dans l’optique de riffs lourds et puissants ; “aïe”, me direz-vous, c’est pas très original ça… En tout cas, ce que beaucoup de métalleux reprochent à cet album est le fait d’être trop uniforme ! Alors serait-ce un de ces albums sur lequel il vaut mieux trépasser ? …Surtout pas !

La vraie faiblesse de cet album n’est pas dans son uniformité et heureusement… La marque des grands albums est souvent celle où l’on ne peut mettre de musiques en avant (quelles soient “cousines” ou non) ! Je crois très sincèrement, après de nombreuses écoutes, que le problème vient de 3 musiques, moins inspirées et assez répétitives (4. “Death is my Master“, 7. “Infernal Wrath” et 9. “Ten Horn Arise“), contre 7 de bonne qualité ! J’ai noté les numéros pour montrer que trois musiques placées en plein milieu d’un album ont vite fait de peser lourd sur celui-ci ! Ces 3 souffrent de “longueurs” et on sent que ce sont les moins travaillées : “Death is my Master” lance des riffs difficiles a digérer, “Infernal Wrath“, dont l’air peut plaire, se répète assez ! Même si techniquement elles ne sont pas à jeter (la vélocité est toujours là et on a deux solos sur IW et THA), on ne sent pas vraiment l’engouement !

Par contre les 7 autres ! Ayant acheter “Feel The Blade” avec le DVD, vous devriez sincèrement voir une fois dans votre vie LotD ouvrir un de leur Live par “Son of the Jackal“(j’imagine même pas en vrai !) L’entrée est foudroyante et fracassante ! Musique incroyablement puissante et inspirée avec différents plans, elle est “la” bombe de l’album et de LotD ! De plus, les paroles sont terriblement accrocheuses, autant que les riffs… et toujours cette double pédale qui vous mitraille ! Les autres ne dérogent pas à la règle (et le rythme ne faiblit pas…) Chacune a sa particularité, que ce soit “Atomicide“, “Sepulchral Ghoul“, “Undead Stillborn” ou “Avenging Archangel“, elles sont vraiment toutes d’une étonnante qualité et très accrocheuses ! L’instrumentale “Seven Heads They Slumber“, bien placée, calme le tout et laisse à l’auditeur un peu de répit tout en restant dans une atmosphère terriblement maléfique tels “les paysages désertiques de l’Enfer”.

Et pour clôturer le tout, après l’excellent “Killing for Recreation” sur MR, voici “Diabolist”, sûrement l’une des meilleures musiques du groupe ! Là encore, musique très recherchée tant les riffs vous resteront dans la tête… et vous reprendrez en coeur “Son of Sin… DI-IA-BOLIST”.

Au final ; je pense très sincèrement que si le groupe nous avait au moins épargné et remplacé (ou plutôt “retravaillé”, car ces 3 musiques contiennent quelques bons éléments bien trouvés) “Death is my Master” et “Ten Horn Arise“, l’album “Sons Of The Jackal” aurait été une vrai bombe et au panthéon des albums de Trash Death tellement les 7 titres restants sont bons…Mais attention ! Rester dans la même tonalité à l’avenir serait vraiment très dangereux…En espérant simplement que le succeseur de “Feel The Blade” nous étonne !

Troisième album du quatuor néerlandais, cet album est en fait une reprise de “Elegy for the Weak” d’Occult, ancien groupe de LOTD, renommé “Feel The Blade“. Les membres du groupe voulaient intégrer cet album dans leur discographie (production “made in LOTD” comme il se doit !) et en faire profiter leurs fans, étant donné que celui-ci fut réalisé juste avant la fin d’Occult.

Dans la discographie de LOTD, il y avait pour ma part une musique qui se détachait des autres, “Killing for Recreation”, seule reprise (jusqu’à “Feel The Blade“) d’Occult qui clôture avec grandeur “Malvolent Rapture“… Et bien, si vous la connaissez, dites-vous qu’elle est représente assez FtB !

Comme d’habitude, entrée fracassante : “Nuclear Torment” annonce la couleur. Toujours un Trash Death aussi efficace et aussi puissant… et la production est vraiment incroyable !!! Tout au long de l’album, la vitesse ne faiblit pas (si ce n’est un interlude “Expire”, petite atmosphère inquiétante où l’on entend les pleurs et gémissements de la belle blonde aux yeux bleus qu’on peut voir dans la pochette de l’album). Un Erik Fleuren en pleine forme et Richard qui nous assène avec des riffs toujours aussi puissants et accrocheurs, peu de solos mais on ne peut pas faire tout ce qu’on veut avec une seule guitare (surtout s’ils veulent rester dans leur style de “puissance destructrice” et assurer des représentations Live sans doublage ou pré-enregistrement (sans tricher donc)). Le chant, de même, est toujours aussi bon et inimité (à noter que les representations Live de LOTD sont bien meilleurs qu’à leurs débuts; Erik tient le rythme effréné de leur genre avec une endurance remarquable (notamment au niveau de la double pédale…chapeau !) et la voix de Maurice s’épuise beaucoup moins). LOTD est donc bien de retour et va même bien plus loin que les 2 albums précédents ; en comparant avec MR et SotJ on comprend pourquoi LOTD a repris cet “Elegy for the Weak” avec une production somptueuse… et le secret de la recette : l’inspiration !!!

Souvent resté dans leur tonalité C#m, LOTD en garde la base mais s’évade un peu pour créer de nouvelles atmosphères… et je crois que c’est ce qu’attendaient les fans avec 2 albums précédant assez uniformes !!! Les représentantes du genres sont “Noctural Predator”, musique à la fois lourde et puissante où l’on ressent vraiment l’atmosphère du prédateur nocturne à l’affut:-D), et “Warbeast”, expédié en à peine 3 minutes, d’une puissance incroyable et qui réveillera en vous une réelle sensation de peur-panique !!!…et le plus intéressant est le fait que ces musiques laissent une grosse part à l’imagination de l’auditeur. “Slaughtering the Pigs”, avec son atmosphère un peu crade, les 2 riffs de “Feel The Blade” comme 2 coups de lame bien placés… Quant aux autres, elles sont toujours fidèles à l’esprit LOTD avec des riffs toujours aussi accrocheurs à l’image de “Slut of Sodom“, “Disturbing the Dead” ou “Nuclear Torment“. Les 2 dernières sont sympa à écouter… peut-être que l’atmosphère un peu panique de “The Repers Call” me rebute :-S !!!

…Et les bonus tracks… donnent-ils une idée de ce que sera LOTD à l’avenir ? “Last Command” : musique accrocheuse mais beaucoup trop longue ; “Mask of Terror” musique très inspirée, sûrement une des meilleurs de l’album, et “Chronic Infection”, morceau d’un grande technicité où l’on entend un des rares solo de Richard, et dont se dégage une atmosphère assez dégueux, telle une putride infection!!!

Vous l’aurez donc compris, LOTD frappe fort, montre un album d’une grande richesse “émotionnelle”, ce qui est très rare dans un genre comme le death, et cela aurait été vraiment dommage de ne pas profiter d’un album de si grande qualité à la production de LOTD. Cet album “prouve” que LOTD a été et est capable d’aller très loin dans la qualité de ses musiques, et pourquoi pas continuer leur lancée dans la lignée de FtB à l’image de “Mask of Terror” ou “Chronic Infection”.