Aucun tube n’est oublié, avec ces must que furent Darquier de Pellepoix, Police-milice, Préfabriqués, Le Matteur, Antisocial bien-sur, et d’autres. Notons la reprise de deux chansons d’ AC-DC que sont Problem Child et Live Wire.

En effet, c’est une manière pour Trust de rendre hommage à Bon Scott alias « dynamite », chanteur de AC-DC, décédé tragiquement dans les circonstances qu’on connait (enfin, rien n’est sur !) le 19 Février 1980, soit avant le début de la fameuse tournée.

Pour le reste les morceaux sont bien interprétés, le son demeure assez bon.

Un bon Live pour les puristes des débuts de Trust, les meilleures chansons à vrai dire, mais toutefois à réserver aux inconditionnels du groupe.

14/20.

Aucun tube n’est oublié, avec ces must que furent Darquier de Pellepoix, Police-milice, Préfabriqués, Le Matteur, Antisocial bien-sur, et d’autres. Notons la reprise de deux chansons d’ AC-DC que sont Problem Child et Live Wire.

En effet, c’est une manière pour Trust de rendre hommage à Bon Scott alias « dynamite », chanteur de AC-DC, décédé tragiquement dans les circonstances qu’on connait (enfin, rien n’est sur !) le 19 Février 1980, soit avant le début de la fameuse tournée.

Pour le reste les morceaux sont bien interprétés, le son demeure assez bon.

Un bon Live pour les puristes des débuts de Trust, les meilleures chansons à vrai dire, mais toutefois à réserver aux inconditionnels du groupe.

14/20.

Aucun tube n’est oublié, avec ces must que furent Darquier de Pellepoix, Police-milice, Préfabriqués, Le Matteur, Antisocial bien-sur, et d’autres. Notons la reprise de deux chansons d’ AC-DC que sont Problem Child et Live Wire.

En effet, c’est une manière pour Trust de rendre hommage à Bon Scott alias « dynamite », chanteur de AC-DC, décédé tragiquement dans les circonstances qu’on connait (enfin, rien n’est sur !) le 19 Février 1980, soit avant le début de la fameuse tournée.

Pour le reste les morceaux sont bien interprétés, le son demeure assez bon.

Un bon Live pour les puristes des débuts de Trust, les meilleures chansons à vrai dire, mais toutefois à réserver aux inconditionnels du groupe.

14/20.

Aucun tube n’est oublié, avec ces must que furent Darquier de Pellepoix, Police-milice, Préfabriqués, Le Matteur, Antisocial bien-sur, et d’autres. Notons la reprise de deux chansons d’ AC-DC que sont Problem Child et Live Wire.

En effet, c’est une manière pour Trust de rendre hommage à Bon Scott alias « dynamite », chanteur de AC-DC, décédé tragiquement dans les circonstances qu’on connait (enfin, rien n’est sur !) le 19 Février 1980, soit avant le début de la fameuse tournée.

Pour le reste les morceaux sont bien interprétés, le son demeure assez bon.

Un bon Live pour les puristes des débuts de Trust, les meilleures chansons à vrai dire, mais toutefois à réserver aux inconditionnels du groupe.

14/20.

Aucun tube n’est oublié, avec ces must que furent Darquier de Pellepoix, Police-milice, Préfabriqués, Le Matteur, Antisocial bien-sur, et d’autres. Notons la reprise de deux chansons d’ AC-DC que sont Problem Child et Live Wire.

En effet, c’est une manière pour Trust de rendre hommage à Bon Scott alias « dynamite », chanteur de AC-DC, décédé tragiquement dans les circonstances qu’on connait (enfin, rien n’est sur !) le 19 Février 1980, soit avant le début de la fameuse tournée.

Pour le reste les morceaux sont bien interprétés, le son demeure assez bon.

Un bon Live pour les puristes des débuts de Trust, les meilleures chansons à vrai dire, mais toutefois à réserver aux inconditionnels du groupe.

14/20.

Aucun tube n’est oublié, avec ces must que furent Darquier de Pellepoix, Police-milice, Préfabriqués, Le Matteur, Antisocial bien-sur, et d’autres. Notons la reprise de deux chansons d’ AC-DC que sont Problem Child et Live Wire.

En effet, c’est une manière pour Trust de rendre hommage à Bon Scott alias « dynamite », chanteur de AC-DC, décédé tragiquement dans les circonstances qu’on connait (enfin, rien n’est sur !) le 19 Février 1980, soit avant le début de la fameuse tournée.

Pour le reste les morceaux sont bien interprétés, le son demeure assez bon.

Un bon Live pour les puristes des débuts de Trust, les meilleures chansons à vrai dire, mais toutefois à réserver aux inconditionnels du groupe.

14/20.

Cet album de dix titres s’inscrit dans un concept purement Héroic Fantasy, sur un fond de quête et une histoire intégralement sortie de l’imagination ingénieuse de Quentin Borderie, mise ensuite en musique par le leader du groupe, Hugues Lefebvre, qui signe les paroles, ainsi que le chant principal, la guitare, les claviers ainsi que divers arrangements. Les autres membres sont Yann Mouhad à la guitare, Julien Negro à la basse, Damien Rainaud à la batterie, ainsi enfin d’autres personnes dont Marive-Eve Orango pour les chants féminins.

Cet album est conceptualisé en totalité, d’abord par une sobre mais intéressante cover illustrant un petit personnage confronté à un ?il géant enfermé dans un palantir, sorte de pierre précieuse de voyance en forme de globe. Cette illustration nous rappelle à l’évidence la confrontation de Frodon à l’?il de Sauron dans l’adaptation cinématographique du chef d’?uvre de Tolkien qu’est le Seigneur des Anneaux.

De même, le récit imaginaire, d’ailleurs très bien résumé à l’intérieur du livret, alimentera les paroles et la musique qui s’inscriront dans cette ambiance épique, aventurière, riche de plusieurs péripéties.

Le récit nous conte l’histoire d’un jeune héros, Amryl, inexpérimenté, feu-follet, qui pour sauver son peuple du Royaume de Ereyn, en proie à l’invasion du royaume voisin Empyr, va connaître dans son périple maintes mésaventures pour trouver et consulter un Oracle dont nul ne sait où il se trouve. Il croisera nombres d’ennemis plus ou moins repoussants, comme un monstre mi-lion mi-serpent, une sorcière, des démons, des dragons. Il aura également des compagnons à l’instar de la Communauté de l’Anneau, avec un ami protecteur qui le sauvera plusieurs fois, des nains. Enfin, le récit de cette première partie se clôture sur l’errance d’Amryl dans un désert, dont on lui avait dit qu’il s’agissait d’un désert de pierres précieuses, mais se révélant être un réel désert.

Afin de raconter cette quête, Anthropia nous compose une musique progressive très riche, forte de beaucoup d’influences, notamment du Heavy Metal et du Speed Metal.

En effet, chaque morceau sera différent, unique, reflétant chacun une ambiance propre, comme un fragment de l’histoire, d’où qu’on parlera de dix chapitres.

L’album s’ouvre sur Welcome to Ereyn, qui nous introduit succinctement sur l’objet de la quête à savoir trouver l’Oracle.

L’ouverture est très déclarative, menée par des voix puissantes de type opéra.

Question of Honour est le titre dans lequel Amryl est sommé, intronisé pour accomplir la quête. Ainsi, la musique est ici variée, avec des passages accélérés évoquant l’urgence d’agir, puis de passages plus lents, torturés, pour signifier les interrogations du héros, qui va accepter de voyager dangereusement hors du royaume rural qu’il n’a jamais quitté.

Très speed, le style se rapproche de ceux des grosses cylindrées du Heavy-Progressif que sont SymphonyX, Dream Theater Helloween ou Angra, avec des guitares très appliquées parfois saturées secondées par une batterie très présentes, et des claviers irréprochables de profondeur. Le morceau se digère bien, et on en arrive au chapitre III.

Lords of a World nous en apprend plus sur la menace qui pèse sur Ereyn, soit les intimidations d’Empyr, et son chef, l’empereur Myrrac.

Après une ouverture mélodique magnifique à la Patrick Rondat, on tombe dans l’ambiance sombre de la guerre, avec des guitares plus agressives, plus chaotiques le tout sur un rythme tragique, pouvant rappeler quelque peu celui du titre The Eyes of Medusa de SymphonyX.

Through the Sleeping Seaweed est le morceau intégralement instrumental de l’album, s’attachant à la traversée en bateau par Amryl et ses compagnons d’un océan, épisode riche en histoires, avec la naissance de dissensions dans le groupe, l’attaque du frêle esquif par des dragons, et la perte de conscience d’Amryl en raison d’une algue toxique.

La musique y est encore une fois tortueuse, avec de magnifiques soli de guitares qui se calquent sur un rythme encore une fois infernal.

Forgotten est ensuite le tube de l’album, à la fois riche et crucial dans le déroulement du récit, et surtout un grand morceau de musique, le meilleur à mon goût de l’album. En effet, bien qu’étant drogué par l’algue, Amryl arrive au pays des Nains. Il y restera quelques mois, et apprendra les secrets de l’Argent auprès des Dieux du Feu. Puis il forgera une épée solide (sans doute une cousine à Narsil, l’épée dont Isildur se sert pour couper la main de Sauron pour prendre l’anneau unique dans le Seigneur des Anneaux) selon les traditions oubliées des forgeurs nains, d’où le titre Forgotten.

Après une intro acoustique suave et réconfortante, par laquelle on imagine le jeune héros vivant paisiblement avec les nains, à s’enhardir, à découvrir ce nouveau monde, on retombe dans la quête par un rythme sonnant très Heavy, au point de s’apparenter à un style repérable entre mille. Ce style, c’est celui de Megadeth, oui Megadeth, adopté sur l’album Youthanasia, et en l’espèce notamment sur le titre Train of Consequences. Non je n’ai pas bu, ici les notes et la rythmique y sont quasiment les mêmes du moins agrémenté du clavier bien sur, et ce morceau Heavy Speed se révèle fort en émotion. Loin de moi l’idée de parler de copiage, ce morceau est très fort en intensité, avec une grande variation des rythmes.

Lion Snake est un morceau très lourd à digérer, contant le combat de Amryl avec un monstre mi-lion, mi-serpent, qui, dans la musique est entrecoupé par des interventions de diverses voix, et de soli comme s’il en pleuvait.

Where the Secret Lies s’ouvre sur des soli fulgurants à la Patrick Rondat, inspirés par la musique classique, suivis de séquences diverses s’enchainant plus ou moins naturellement.

The Walk Among the Ruins est quant à lui un petit prélude d’une minute dans lequel nous sommes conditionnés par le récital dramatique d’une voix féminine et un clavier très cristallin.

In the Maze of a Nightmare est alors un gros morceau de neuf minutes d’un niveau relativement soutenu, pouvant rappeler divers groupes par moment comme Gamma Ray sur leur chef-d’?uvre No World Order, ou encore Kamelot sur Ghost Opera. L’ensemble est plutôt agréable même si les passages plus lents souffrent d’une liaison difficile avec les séquences rapides.

The Desert of Jewels est le dixième et dernier chapitre de l’album, long comme son prédécesseur, de dix minutes cette fois. Dans cette dernière brique à ce glorieux temple musical, on alterne encore une fois entre passages acoustiques, et passages speed, nous évoquant par moment des divinations que sont Edguy, Symphony X, voire un petit peu Marilion sur les passages lents, avec cette douce voix claire plus que déclarative. Ainsi, on termine l’album sur une petite ballade dans le désert, avec l’incertitude quant au sort du héros, livré à lui-même, perdu.

Peut-être ne le saurons-nous jamais, puisque la promesse inscrite dans le livret du disque d’une suite des chroniques d’Ereyn n’arrivera finalement pas dans l’immédiat. En effet, le second album de Anthropia, prévu en cette fin d’année 2008 se nommera The Chain Reaction et rompra avec l’histoire engagée ici, avec à la clé un changement radical de style, et aussi l’arrivée d’une nouvelle chanteuse, soit la délicieuse Nathalie Olmi, la voix du groupe In Vitraux.

En conclusion, et en remerciant ceux qui auront eu la patience et la passion de lire ces lignes jusqu’à leur terme, voyons en cet album plus que correct une aventure épique et musicale, forte de nombreuses et variées influences, qui en font une bonne galette de Heavy-Progressif.

A découvrir. 16/20.

Après avoir exploré les genres musicaux susvisés, le groupe s’est ouvert à d’autres univers variés, un fond de Metalcore, puis de Néo-Metal avec un zeste de Fusion, une dose savante d’Electro également sur quelques samples, d’où que la musique de cet album est inclassable.

La pochette reflète bien le titre, soit un clash chromatique nous exposant un c?ur sombre arraché, volé, et emporté par une main provenant de la lumière. Par une lecture générale des paroles, on songe à un concept fort négatif de l’album, avec des blessures non refermées, les effets néfastes de la drogue sur l’individu ? la drogue, un thème pas récurrent mais néanmoins marquant du disque. Malgré tout, cette part de négation comporte aussi son échappatoire, heureuse ou malheureuse, d’où que littéralement, on nous expose des situations négatives, mais avec l’envie de s’en sortir.

TIME TO LET GO ouvre tambours battants le disque dans un style pas si lointain du Crossingate de 2006, avec une rythmique soutenue, par la batterie et les guitares. Le débit de voix du chanteur est certes plus lent qu’auparavant, plus modulé, mais toujours dans ce ton mi-death mi-stoner. Par moments au milieu de cette rythmique oscillant entre Thrash et Néo, on devine quelques samples langoureuses d’électro.

Looted Passion, chanson éponyme de l’album est d’ores et déjà mémorisable pour son refrain, sonnant très pop ou rock alternatif avec une sample magnifique d’électro pour accompagner le chant suave et chaleureux, ainsi que les guitares fortement saturées, nous offrant même par moments des petits soli succincts.

FORGIVENESS est quant à lui le gros pavé du disque, pas facilement digeste, puisque malgré des paroles riches et argumentées, le morceau nous noie dans une rythmique quasi continue sans mélodie attrayante, les guitares ne servant que quelques effets peu enthousiastes.

En revanche, on oubliera ce petit accroc sur la ballade de l’album qu’est GIVE A CHANCE, émouvante, magistralement interprétée de A à Z, une belle mélodie acoustique, puis un refrain bien amené qui allie puissance et émotion, dans un style empruntant quelque peu au Néo-Metal, avec des groupes comme Korn, Fear Factory, Linkin Park.

HOW’S IT GOING TO END permet de replonger dans les premiers amours du groupe, avec quelques clins d’?il Death et Black notamment dans le son des guitares et la rythmique de manière générale, tantôt lente et inquiétante, tantôt boostée par la batterie.

PAINFUL est quant à elle sans aucun doute la meilleure chanson de l’album, la plus approfondie, la plus complète, la plus représentative de l’album. Au tempo bourrin typique de groupes Metalcore américains comme Lamb of God, Biohazard voire français avec Black Bomb A, viennent ici s’ajouter des samples malignes d’Electro qui apportent un peu plus de profondeur à l’ensemble. En effet, ici, ces samples ne consistent pas seulement en de simples bruitages comme se fut le cas sur 2K6, mais investissent pleinement la musique. Signalons enfin les très bons soli en deuxième partie de la chanson, sonnant très Heavy.

PROUD TO BE STRONG, riche de sens une fois encore, est un habile mélange de Death, de pop, et d’Electro. Ce cocktail peut cependant énerver par des enchevêtrements parfois brouillons qui font perdre le fil de la chanson.

THE SHINING, en revanche clôturera en harmonie ce Looted Passion, par cette reprise de la chanson phare du maxi-cd 2K6, cette fois dans un style plus pop-rock, magnifié par une rythmique plus positive, et surtout une mélodie de clavier mémorisable, tout ceci déversant une grande puissance musicale. Placer cette reprise à la fin n’est pas le fruit du hasard. De manière non-dissimulée, le groupe semble vouloir prendre de la distance avec le style de ses débuts.

En effet, s’agissant ici indéniablement d’un album de transition, CROSSINGATE a réussi son pari, d’intégrer ses influences Death, Black, Thrash, Stoner, Néo-Metal, Metalcore, dans un format d’avantage Pop-Rock, mais cependant, les cinq franc-comtois ne risquent-ils pas un jour de se perdre à vouloir explorer toujours d’autres horizons en apparence éloignés ?

15/20.

En effet, on retrouve les rythmiques et le style général qui ont fait les beaux jours du groupe, et les déceptions affichées sur les albums Nymphetamine et Thornography seront vite dissipées et les mauvaises langues coupées.

L’ambiance générale du disque est d’abord incarnée dans sa riche pochette, magnifique, où s’entrecroisent la religion, le bucher, le démon, puis un personnage aux personnalités multiples, des thèmes toutefois classiques dirons-nous. A noter que l’album nous conte l’histoire de Gilles de Rais, alias Barbe-Bleue, aristocrate francais déclaré et exécuté comme hérétique au cours du XVème siècle.

Conditionnés par une excellente introduction mélodique et dramatique dont le groupe s’est fait une spécialité, avec notamment ce son de clavier si inquiétant, on est heureux dès le second morceau Shall out Hell, de retrouver toute l’agressivité et l’énergie dégagées par le groupe à ces débuts, donc adieu Nymphetamine et comparses, ici il n’est point honteux de parler de Black Metal, épique, pur et dur, étiquette souvent refusée au groupe en raison des précédents albums jugés moyens, et du fait que par sa réussite commerciale, Cradle n’est pas un groupe underground.

Quasiment l’intégralité des morceaux seront d’une beauté absolue, tous soignés de A à Z. On notera beaucoup de monologues en guise d’introduction, comme un enchevêtrement de personnalités, apportant chacun le fragment d’une histoire. Dani Filth nous surprend par ce regain de violence dans sa voix, les autres nous servent un instrumental irréprochable, et ce glorieux ensemble est servi par une production ahurissante.

On avait rarement connu cradle aussi convaincant dans ses compositions, les mélodies de clavier et de guitare étant d’une réelle fraicheur.

Parmi les très grands moments on notera les déjà cultes The death of love, le titre éponyme Godspeed on the Devil’s thunder, Tragic Kingdom, Ten Leagues beneath contempt, ou encore les très bons morceaux instrumentaux que sont Tiffauges et Corpseflower. Les excellentes guitares, un jeu de batterie soutenu, la voix métamorphosable de Dani Filth, tantôt basse tantôt aigue et torturée, et le célèbre clavier sont ainsi les grandes composantes habituelles.

Il demeure difficile d’isoler dans cet album le moins bon, car chaque morceau semble ici indispensable. Cradle of filth aura attendu quatorze longues années pour mettre au monde un digne descendant de The Principle of Evil Made Flesh. L’ensemble reste un album de Cradle, avec tous ses éléments habituels au rendez-vous, mais il est probable cette fois que même les plus réticents au Black Metal symphonique soient agréablement surpris, voire séduits.

Bluffant.

18/20

En effet, on retrouve les rythmiques et le style général qui ont fait les beaux jours du groupe, et les déceptions affichées sur les albums Nymphetamine et Thornography seront vite dissipées et les mauvaises langues coupées.

L’ambiance générale du disque est d’abord incarnée dans sa riche pochette, magnifique, où s’entrecroisent la religion, le bucher, le démon, puis un personnage aux personnalités multiples, des thèmes toutefois classiques dirons-nous. A noter que l’album nous conte l’histoire de Gilles de Rais, alias Barbe-Bleue, aristocrate francais déclaré et exécuté comme hérétique au cours du XVème siècle.

Conditionnés par une excellente introduction mélodique et dramatique dont le groupe s’est fait une spécialité, avec notamment ce son de clavier si inquiétant, on est heureux dès le second morceau Shall out Hell, de retrouver toute l’agressivité et l’énergie dégagées par le groupe à ces débuts, donc adieu Nymphetamine et comparses, ici il n’est point honteux de parler de Black Metal, épique, pur et dur, étiquette souvent refusée au groupe en raison des précédents albums jugés moyens, et du fait que par sa réussite commerciale, Cradle n’est pas un groupe underground.

Quasiment l’intégralité des morceaux seront d’une beauté absolue, tous soignés de A à Z. On notera beaucoup de monologues en guise d’introduction, comme un enchevêtrement de personnalités, apportant chacun le fragment d’une histoire. Dani Filth nous surprend par ce regain de violence dans sa voix, les autres nous servent un instrumental irréprochable, et ce glorieux ensemble est servi par une production ahurissante.

On avait rarement connu cradle aussi convaincant dans ses compositions, les mélodies de clavier et de guitare étant d’une réelle fraicheur.

Parmi les très grands moments on notera les déjà cultes The death of love, le titre éponyme Godspeed on the Devil’s thunder, Tragic Kingdom, Ten Leagues beneath contempt, ou encore les très bons morceaux instrumentaux que sont Tiffauges et Corpseflower. Les excellentes guitares, un jeu de batterie soutenu, la voix métamorphosable de Dani Filth, tantôt basse tantôt aigue et torturée, et le célèbre clavier sont ainsi les grandes composantes habituelles.

Il demeure difficile d’isoler dans cet album le moins bon, car chaque morceau semble ici indispensable. Cradle of filth aura attendu quatorze longues années pour mettre au monde un digne descendant de The Principle of Evil Made Flesh. L’ensemble reste un album de Cradle, avec tous ses éléments habituels au rendez-vous, mais il est probable cette fois que même les plus réticents au Black Metal symphonique soient agréablement surpris, voire séduits.

Bluffant.

18/20